miércoles, 6 de noviembre de 2013

VERA LUTTER (1960): CIUDADES













































Vera Lutter es una fotógrafa alemana instalada en Nueva York. Fotografía con una cámara oscura -una técnica inventada a finales de la Edad Media, ya empleada por pintores renacentistas, desde Leonardo hasta Vermeer, por ejemplo-, del tamaño de un "container" metálico o de una estancia; fotografía arquitectura a partir de arquitectura: edificios anónimos, espacios indiferentes, estructuras de ingeniería (que evocan el desplazamiento de bienes y seres que la arquitectura, por el contrario, recoge), e interiores vacíos.
Todas las imágenes son en blanco y negro. Suelen tener el tamaño de una pared.
Las exposiciones a fin que la imagen aparezca pueden durar meses Todo los movimientos, de personas, vehículos, y de la luz desaparecen. Es el paso del tiempo que fija la imagen, de la que queda excluida la huella del paso del tiempo. El tiempo, que lo borra todo, aquí va perfilando masas que se extraen, no se sabe si del día o de la noche.

Véase: la página web de la artista.

martes, 5 de noviembre de 2013

Jan Švankmajer (1934): Do pivnice (Abajo en el sótano, 1983)



Como en los cuentos verdaderos, el horror y la fantasía se alían

El globo terráqueo es un cilindro (según Anaximandro)

El cosmos estaba plantado de columnas. Éstas se levantaban entre el infierno y el cielo, destacándose bien sobre la superficie de la tierra.
La creencia en la existencia de elementos verticales que actuaban como pilares cósmicos parece universal. La bóveda celestial era una tela tendida como en una tienda de nómada, o una semiesfera metálica, a través de cuyas perforaciones, como en la bóveda de un palacio, se filtraba la luz el empíreo, lo que moteaba el cielo de puntos luminosos estrellados. Esta bóveda no se apoyaba directamente sobre la tierra sino sobre un cierto número de columnas, cuatro en general. Estas columnas descomunales que se alzaban hasta el cielo brillaban como los rayos cuando hienden las nubes y caen sobre la tierra.

En el imaginario griego, lo bóveda celestial se apoyaba sobre las espaldas de una divinidad ancestral: Atlas, castigado por Zeus a soportar el peso del mundo por haberse atrevido a cuestionar la supremacía del padre de los dioses. Sus hijas, las Hespérides, que lucían en lo alto, también contribuían a la correcta ordenación del cosmos. Aconteció que Heracles, el hijo predilecto de Zeus, que aceptó someterse a doce pruebas a fin de demostrar su fuerza y su destreza antes de ordenar y delimitar la tierra, se desplazó hasta los confines del mundo, allá donde el sol, junto con las Hespérides salían del cielo para entrar en la noche. Cuando Heracles llegó hasta el Jardín de las Hespérides, cerca de donde moraba Atlas, dolorido por la inmovilidad en la que tenía que permanecer, se apiadó de él y lo sustituyó durante un tiempo. Cuando devolvió el peso del cosmos a Atlas, y antes de retornar a Grecia, señaló los confines de la tierra hincando, allí dónde el sol declinaba, dos columnas: las columnas de Hércules, que aun hoy, indican donde el Mediterráneo se abre al Mar que baña los pies de Atlas: el Atlántico.
Las columnas "cósmicas" no se alzaban solo en los límites del cosmos; éste se estructuraba alrededor de un eje vertical (un "axis mundi", una expresión caída en desuso). Este polo, sin embarco, que centraba el mundo, se hallaba en cualquier parte que se considerara un lugar imprescindible, un centro. Así, cada ciudad poseía -o era- un eje central: el resto del mundo giraba alrededor de él.

Fue el filósofo pre-socrático jonio Anaximandro (610-545 aC), quien sostuvo que el cosmos se generó a partir de una materia -o un concepto- , lo ilimitado, que describió la tierra, no como un disco ni como una esfera, sino, sorprendentemente, como un cilindro (kulindros) o una columna (kioon), sobre cuya cara plana superior se ubicaban los humanos: "la tierra tiene forma (schemati) cilíndrica y que su espesor (o su altura) es un tercio de su anchura"; "la forma de la tierra es curva, redonda, semejante a un fuste de columna; nosotros caminamos sobre una de sus superficies planas". Los textos de Anaximandro se han perdido, mas esas citas del Pseudo-Plutarco, y de Hipólito, autores tardíos, reflejan bien, sin duda, la concepción cósmica del filósofo de Mileto.
Sin embargo, esta forma que no asociaríamos a la tierra no era gratuita.
 Anaximandro, sin duda, conocía todas las descripciones del cosmos soportado por pilares, pero era la primera vez que la tierra era descrita como una columna de base circular: la tierra propiamente dicha, la tierra sobre la que los humanos de desplazaban y vivían era redonda: un disco. Esta columna, que era la tierra, se sostenía porque era equidistante del cielo y de los infiernos y, por tanto, no se "inclinaba" hacia ninguno de esos mundos.
Fue precisamente en vida de Anaximandro que los templos griegos empezaron a rodearse de columnas de piedra. Fue también por el aquel entonces cuando se levantaron columnas, coronadas por estatuas, para honrar a los muertos. Las columnas los mantenían en vida puesto que los recordaban visiblemente, los ubicaban aun entre los seres vivos.
No es impensable, como sostiene el helenista Hahn, que la vista del trabajo de los constructores, delimitando parcelas o recintos, y superponiendo bloques cilíndricos hasta configurar columnas capaces de aguantar incólumes empujes verticales y laterales, estuviera en el origen de la descripción de la tierra que Anaximandro realizó.
Los dioses, como supremos arquitectos, habrían erigido una columna, la tierra, perfectamente estable, entre el empíreo y el infra-mundo.
La tierra era un columna porque la columna era un símbolo vital, terrenal. La columna evocaba el brote que asciende de las entrañas de la tierra hacia la luz. El espacio bien delimitado de los seres vivos no podía ser sino una columna, y las columnas que circundaban los templos, así como las columnas que se alzaban en ciudades y cementerios mantenían en vida a la tierra porque recordaban su presencia. Cada columna manifestaba que la tierra había sido bien edificada: era habitable, y en ella se podía vivir.
Las columnas templarias quizá fueran un elemento que, amén de unir la tierra al cielo, ayudaba a dar sentido a la tierra, preservándola como un espacio apto para la vida, el único espacio donde la vida prendió y se asentó. El templo era la morada de la divinidad, ciertamente, instalada entre los humanos gracias a aquélla, pero también era un elemento que recordaba que la tierra estaba habitada, era un espacio habitable, y que pertenecía a los humanos. Era, en propiedad, un espacio terrenal.

BELIEVERS WITHOUT BORDERS (CREYENTES SIN FRONTERAS, 2010) / الجدار (EL MURO, 2011) / الشارع السوري (LA CALLE SIRIA, 2011) / في المنفردة (CELDA INDIVIDUAL, 2013) / أضواء المدينة (LUCES DE LA CIUDAD, 2013) / ALEPPO BY NIGHT (ALEPO DE NOCHE, 2013): ABOU NADDARA FILMS


Believers without Borders from abounaddara on Vimeo.

الجدار The Wall from abou naddara on Vimeo.
الشارع السوري The syrian street from abou naddara on Vimeo.

في المنفردة Cellule individuelle from abou naddara on Vimeo.

أضواء المدينة City Lights from abou naddara on Vimeo.

Aleppo by Night from abou naddara on Vimeo.




Abou Naddara (que, en árabe, significa El hombre con lentes, y que remite al célebre documental de los años veinte, El hombre de las lentes, del ruso Dziga Vertov) es el nombre de un colectivo de cineastas y documentalistas sirios que, cada viernes, desde 2010, "cuelgan" en su página web y legalmente en el portal de cortometrajes Vimeo, un cortometraje sobre la vida en Siria, en las ciudades de Damasco y Alepo, especialmente, hasta ahora libremente. Las imágenes se toman con cualquier medio, cámaras de vídeo o móbiles.
Los documentales solo se muestran en internet, aunque también se proyectan en numerosos festivales de cine y en centros de arte contemporáneo fuera de Siria.
El cineasta Charif Kiwan, formado y exiliado en París, actúa de portavoz del colectivo.

Creyentes sin fronteras es considerado una obra maestra.

Véase también: https://www.facebook.com/pages/Abounaddara-Films/128084573918925, y http://mashallahnews.com/?p=6527




lunes, 4 de noviembre de 2013

VIVIAN MAIER (1926-2009), O LA ARTISTA DESCONOCIDA (FOTÓGRAFA Y CINEASTA DE LA QUE NADIE SUPO NADA)

La teoría del arte occidental está recorrido por una leyenda recurrente: un noble o un erudito perspicaces vienen a pasar justo donde un niño dibuja con una rama sobre la tierra. Se trata de un pastor inculto, o de un niño abandonado. Los dibujos que traza, como si una fuerza que lo rebasa le impeliera a marcar el suelo polvoriento, tienen una grandeza, que rivaliza con la de los grandes maestros, o la supera en frescura incluso, que solo una mente elevada descubre.
El destino del niño abandonado, cuyos padres o cuidadores, no pueden brindarle la formación adecuada, está sellado. El noble se dirige a los pastores y obtiene la custodia del niño. Desde entonces, y hasta que pueda valerse por si mismo, todos los cuidados le serán brindados para que pueda deslumbrar al mundo del mismo modo que fascinó al noble que, sin duda, no por azar, cruzó su camino con el del genio en ciernes. Así es como, por ejemplo, Giotto se convirtió en el "redentor" de la pintura occidental.

Otra historia ronda ésta, sobre todo desde el siglo XIX: la historia del genio incomprendido, que trabaja en solitario, los valores de cuya obra solo se descubren tras su muerte.

Estas historias no son simples cuentos: ocurren ocasionalmente en realidad; o, mejor dicho, son historias que estructuran la manera cómo se percibe y se cuenta la realidad.

Érase un erudito que escribía la historia menuda de un barrio de su ciudad natal, Chicago. Partía de datos gráficos y textuales periodísticos, de fotos añejas, viejos documentales.
Un día, descubrió, en una modesta subasta, cajas y cajas con negativos fotográficos desconocidos a un precio de saldo. Adquirió los lotes: unos treinta mil negativos, diapositivas, un centenar de películas en super 8, recortes de periódico, etc.
Tras el revelado de algunos negativos, descubrió fotografías deslumbrantes en blanco y negro. Nadie sabía a quien pertenecían, quien era el autor.
Meses más tarde, una esquela en un periódico le llamó la atención. Se trataba de una anciana, casi indigente, muerta al resbalar sobre una placa de hielo. Al parecer guardaba algunas fotografías.
Vivian Maier fue una niñera, de origen francés -nadie sabe casi nada-, al parecer, en familias acomodadas del noreste y el centro de los Estados Unidos. En secreto, en sus horas libres, en los años cincuenta, cuando contaba entre treinta y cuarenta años, fotografió, y más tarde, filmó, indigentes, excluidos, solitarios, ricos y pobres, en Chicago y Nueva York, así como se autorretrató: unas ciento cincuenta mil fotografías y centenares de películas. Supo ver lo que nadie se preocupó de mirar, a los que nadie miró. Nadie supo de su afición, su obsesión. Tras el retiro, acabó en la calle. Unos jóvenes, a los que cuidó decenas de años antes, la encontraron, le compraron el piso, y la mantuvieron. Tampoco descubrieron nada. Solo ahora recuerdan que, en cada nueva casa, pedía que le pusieran un cerrojo en la puerta de su habitación. Allí es donde guardaba las cajas que malvendió cuando se quedó sin fondos.
Fueron subastadas hace menos de seis años. Desde hace cuatro se ha convertido en una de las mejores documentalistas de la vida urbana del siglo XX. Hace tres años, nuevos lotes de negativos y películas fueron hallados. Su obra, dada la extensión, sigue, en su mayor parte, inédita. Lentamente quien la descubrió y descubrió su producción, estudia, preserva e imprime los negativos que lo han convertido posiblemente en un millonario.


NOWNESS Presents - The 8mm Films of Vivian Maier from NOWNESS on Vimeo.














jueves, 31 de octubre de 2013

GEORGES SCHWIZGEBEL (1944): LE JEU (EL JUEGO, 2006)

Arte contemporáneo y subvenciones públicas

Nos quejamos que el arte contemporáneo no interesa.
Las ayudas públicas, becas y subvenciones han disminuido o desaparecido. Compañías de danza contemporánea, teatro y "performance" productoras de cine, video y documentales, artistas plásticos, etc. malviven o emigran. Centros de arte y museos con colecciones permanentes apenas tienen para abrir las luces, salas expositivas cierran o se reconvierten, y las becas para estudiantes de bellas artes, arquitectura, diseño, etc  -como cualquier beca universitaria- se han cancelado.
Las quejas son infundadas, o se asiste de pronto a un renacer del apoyo público a la creación artística.

Así, la Generalitat deCatalunya subvenciona a una página web de porno (en) catalán ( cuyo ideario se basa en tres principios, merecedores de las ayudas: "L'idioma del vídeo és el català /Volem que els vídeos no siguin del tipus porno més explícit, sinó que es produeixin i es desenvolupin en situacions més locals i casolanes, que en definitiva siguin més creïbles i que la gent es pugui identificar més / Qualitat cinematogràfica i temàtica. Els nostres vídeos volem que tinguin una aparença de qualitat cinematogràfica. Volem fer, en definitiva, curtmetratges (amb els seus conflictes, històries d'amor i passions) amb desenllaços porno", donde se muestran videos (uno solo)  -con apariencia de calidad cinematográfica, no olvidemos (sic)- en los que esforzadas muchachas, sea cual sea la faena que practican, se ufanan en articular, cual un tieso miembro de la Academia de la Lengua, frases como "Ay, ets molt millor qu´en Joan i que el meu home", al tiempo que destacan las contundentes virtudes de "les meves mamelles".

Mientras, el Ayuntamiento de Madrid, la Comunidad de Madrid, y el Gobierno Regional de Castilla-La Mancha, encabezado por su presidenta, doña María Dolores de Cospedal, apoyan y subvencionan juntos una expresiva muestra del artista Alberto Romero: una "Exposición-Homenaje a Doña Cayetana Stuart y Silva-Duquesa de Alba", titulada Doña Cayetana ¡Va por Usted!, cuyo catálogo se abre con un texto de la presidenta de la Junta.
La "Exposición (está) formada por cuarenta y cinco piezas realizadas en los últimos tres años , siendo de todos los formatos, desarrollando una obra esculto-pictórica con la técnica mixta realizadas sobre soporte de madera y sumergidas en una base plagada de texturas. Siendo piezas orgánicas y matéricas, introduciendo gran variedad de materiales, papeles, cartones, maderas, poliéster, colas, serrines y polvos de mármol.
Realizando un estudio del personaje, dando importancia a su mirada, ojos, labios, lazos, joyas y como no a su indiscutible pelo, muy particular, rizado y con bucles continuos superpuestos perfectamente ondulados, siendo de color blanquecino como si se tratase de la corriente de un rápido en movimiento, ágil y fresco".  

Ante tanto rizo y  poesía no es de extrañar que los poderes públicos luchen por traer la muestra a sus ciudades respectivas. Tras Ibiza y Sevilla, confiemos en que podamos disfrutarla en Barcelona, quizá con la audición de los diálogos del insigne cortometraje Jo Mai Mai de fondo.





Agradezco a Helena Tatay tanta y tan variada información sobre arte contemporáneo.