LatinoAmérica en construcción: Arquitectura, 1955-1980: Museo de Arte Moderno de Nueva York -MoMA- (2015)

Luis Barragán: Propuesta para el Instituto Salk en La Jolla de Louis Kahn, 1965-66

Lina Bo Bardi: Museo de Arte Moderno de Sao Paolo, 1957-1966. Collage de 1965

Lucio Costa: Master Plan de Brasilia (1957), y apunte en un sobre abierto de la Plaza de los Tres Poderes (1956)

Fotos: Tocho, Nueva York, marzo-abril de 2015

LatinoAmérica en construcción: Arquitectura, 1955-1980 es una gran exposición en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, sobre arquitectura sudamericana moderna desde los años cincuenta, tras el final de la Segunda Guerra Mundial, que aportó beneficios económicos y culturales (Sudamérica no entró en guerra pero alimentó a Europa y los Estados Unidos, y fue tierra de acogida de exiliados), hasta las dictaduras de finales de los años setenta.
Exposición que ha exigido cuatro años de documentada investigación. Presenta una ingente cantidad de documentos originales -planos, dibujos, cuadernos, fotografías-, si bien el guión de la exposición, casi inexistente, y la selección de obras en la que abundan horrores arquitectónicos, dificultan su visita, solo apta para arquitectos curados de espanto y conocedores de las obras y del contexto.

Sin embargo, entre las joyas que muestra, destacan un apunte de Luis Barragán sobre el conjunto que Louis Kahn en La Jolla (California), unos "collages" de Lina Bo Bardi sobre su proyecto construido del Museo de Arte Moderno de Sao Paolo y, sobre todo, un documento diminuto y conmovedor: un sobre desmontado y abierto, de Lucio Costa, con un apunte de Brasilia que sugiere que la planta en forma de ave o de avión de la nueva capital de Brasil podría haber estado inspirada por un simple sobre, gracias al cual cartas y mensajes son transportados a cualquier lugar del mundo, como si Brasilia hubiera sido concebida como una tierra de acogida de todas las culturas y opiniones, abierta al cielo y la tierra.
La realidad, luego, desmentiría el sueño, pero éste existió y alentó lo que acabaría siendo una pesadilla o un desencanto -como ocurre cuando los sueños cobran realidad.

MARCEL BORRÀS (1989) & NAO ALBET (1990): MAMMÓN (TEATRE LLIURE, BARCELONA, ABRIL DE 2015)

Mammón de Nao Albet i Marcel Borràs - del 10 al 26 d'abril de 2015 al Teatre Lliure - Montjuïc
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El viernes 10 de abril, Marcel Borràs y Nao Albet estrenan la obra de teatro -que incluye numerosas filmaciones- Mammón en el Teatro Lliure de Montjuich en Barcelona.
Una reflexión sobre la fascinación del dinero a partir de un supuesto mito fenicio sobre Mammón, el dios de la riqueza y la codicia, según el Antiguo Testamento (esta divinidad habría existido en Fenicia o Cananea, pero no se ha hallado ninguna referencia ni restos de ningún templo o culto).

La obra empieza con unas filmaciones documentales sobre un viaje a Oriente que uno de los actores (¿o uno de los personajes?) habría emprendido en compañía de dos jóvenes arquitectos y un profesor de estética en una universidad quien, en un yacimiento, ante unas piedras o unos ladrillos, habría contado un hipotético mito sobre esta supuesta divinidad.
Los personajes, entonces, habrían decidido investigar sobre esta divinidad y su influjo en la tierra.
Y partieron a Las Vegas donde aún colea -y es implorado- este ávido dios.

Piedra fundacional de Persépolis (la primera piedra, s. VI aC)

Persépolis -la ciudad de los Persas, en griego- fue fundada, en medio de una árida estepa, por el emperador Dario I, en 512 aC, como una capital representativa.
La piedra fundacional, descubierta en la segunda mitad del siglo XIX, consistía en una caja de piedra perfectamente tallada y ajustada  que contenía diversas láminas de oro (hoy en el Museo de Teherán) con textos en escritura cuneiforme que cubren toda la superficie.
Esta imagen, muy poco conocida, perteneciente a los archivos de fotografías de la dinastía Qsar de Irán, en la Freer Gallery de Washington, muestra el momento del descubrimiento de la piedra fundacional, en los años 30, por la misión arqueológica del Oriental Institute de Chicago, dirigida por Ernst Herzfeld.

LINA BO BARDI (1914-1992): SILLAS (1948-1951, 1987) & ROBERTO BURLE MARX (1909-1994): TEJIDOS

Con motivo de la exposición sobre arquitectura moderna sudamericana en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, una galería en el barrio de Chelsea ha puesto a la venta -a precios astronómicos- una selección de sillas y sillones (y una mesa de comedor circular) diseñados por la arquitecta italo-brasileña Lina Bo Bardi. Las piezas datan de los años cincuenta, cuando fundó un estudio de diseño de mobiliario en Brasil, salvo la silla Girafa -la primera de las fotos- que data de 1987, y corresponde a uno de sus últimos proyectos.
La exposición se completa con un muestrario de telas del arquitecto Roberto Burle Marx (1909-1994), que evocan sus composiciones abstractas de jardines.

Fotos: Tocho, Nueva York, abril de 2015


Véase también la página web siguiente.

KILUANJI KIA HENDA (1979): CIUDAD DEL ESPEJISMO (RUSTY IMAGE, THE CITY SKYLINE, 2013)

La trienal de arte de 2015 del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (New Museum) se abre con una serie de fotografías en blanco y negro del artista angoleño Kiluanji Kia Henda.
Son vistas frontales de una misma acción.
Un grupo de personas indistinguibles, a contraluz, levantan estructuras que delimitan paralelepípedos -definidos por las aristas- de formas y tamaños distintos. Juntos conforman la silueta de una ciudad de rascacielos.
Las estructuras han sido dispuestas, durante un juego, en desiertos del Próximo Oriente. Recuerdan rascacielos en los Emiratos Árabes. Pero, en este caso -¿solo en éste?- los volúmenes no son nada: están vacíos. los paramentos no existen. El conjunto es como un sueño o un decorado plantado en medio de la nada.
Y, sin embargo, los perfiles, cuenta el artista, recuerdan dibujos africanos trazados en la arena que componen espacios mediante ejes no ortogonales. Los rascacielos de vidrio se han convertido en una caligrafía, o parte de un juego o un rito. Son trazas que se manejan según el antojo de los jugadores, Ya no son moles imponentes sino trazos que definen espacios en los que los miembros de determinadas tríbus se reconocen. Se diría que han hecho suyos volúmenes que, originariamente, les son ajenos e inútiles. Han sabido darles sentido, convertirlos en marcas significativas, ir más allá del espejo de los muros cortina.  
Esta serie es la mejor obra de la Trienal de Nueva York.

BJÖRK & THE CITY (1993-1995), O BJÖRK EN NUEVA YORK (2015)

El Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York dedica una exposición antológica a la cantante islandesa Björk, repartida en tres plantas.
La muestra es un tanto incomprensible dados los pobres resultados: dos salas dedicadas a la música, en las que se proyectan un último videoclip en una sala, y el resto de los videoclips, con una duración que supera una hora, en otra, y una tercera sala con los objetos, máscaras y trajes utilizados en las filmaciones.
Dado que la cantante tiende a componer siempre la misma canción, acompañadas de arreglos orquestales excesivos, interpretadas manierísticamente, concluyendo cada estrofa con un grito, en los últimos discos, la exposición acaba siendo agotadora.
Permite descubrir, sin embargo, que si los últimos videoclips son "ecológico-geológicos", filmados en volcanes y paisajes desolados de Islandia, los primeros, menos operísticos -dirigidos por cineastas o fotógrafos como Michel Gondry -Army of Me-, Spike Jonze -Oh, It´s so Quiet- y Stéphane Sednaoui -Big Time Sensuality-, y con más humor y menos pompa,tienen escenarios urbanos, y han forjado un imaginario de la ciudad contemporánea.

JOHN BAIR (1969): THE ORIGIN OF LOVE (2014) (JOHN CAMERON MITCHELL, HEDWIG AND THE ANGRY INCH, 1998)

El drama musical Hedwig and the Angry Inch, de John Cameron Mitchell, sobre un cantante transexual de la Alemania del Este en los años ochenta, huido a los Estados Unidos, en busca de un elusivo éxito -que otros conocerán-, se ha repuesto el año pasado en un teatro de Nueva York, obteniendo merecidamente todos los premios posibles (Premios Tony). Este mes de marzo -y solo por unas semanas-, Cameron Mitchell ha asumido el papel que creó hace dieciséis años.
El tema principal sigue siendo El origen del amor, basado en el discurso del comediógrafo griego Aristófanes sobre el origen de Eros, descrito en el Simposio de Platón.
La versión es distinta de la interpretación de Cameron Mitchell en la película del mismo título de 2001. La diferencia principal reside en la distinta utilización de unos dibujos animados también distintos de los de la película, creados el año pasado por John Bair y su empresa Phosphene (fundada en 2010, y responsable de los mejores efectos en películas tales como Blue Jasmine de Woody Allen), en una escena brillantemente resuelta desde el punto de vista técnico e interpretativo.