LE CORBUSIER, DISEÑADOR DE EXPOSICIONES

Exposición: Le Corbusier. Buildings in Europe and India
Montaje: Arthur Drexler (1925-1987) y Le Corbusier (Charles-Édouard Jeanneret-Gris, 1887-1965)
Museo de Arte Moderno (MoMA),  Nueva York, Enero-Abril de 1963
Fotos: George Barrows

Agradecimientos a Emmanuel Guigon, director del Museo Picasso de Barcelona y comisario de la primera exposición sobre Le Corbusier como diseñador de exposiciones, con centenares de documentos inéditos, en el Museo de Besançon en 2011, por estos datos.

El arquitecto Le Corbusier no era discreto. Sabía utilizar los medios -prensa, publicidad, publicaciones, fotografía, cine y televisión-. Cualquier medio era útil para divulgar sus ciudades supuestamente radiantes.
Algunos consideran que era también un exhibicionista. Algunas fotografías podrían dejarlo entrever.

Pero lo que es menos conocido es su trabajo como diseñador de sus exposiciones. Se conocen su participación en exposiciones internacionales o universales, con proyectos de pabellones. Concibió, junto con el arquitecto y músico Xenakis, un gran expectáculo "multimedia" para el pabellón Philips en la Exposición de Bruselas de 1958. Proyectó interiores, dibujando marcos para pinturas y bases para esculturas clásicas o modernas.
Su trabajo como escenógrafo de exposiciones culminó con la gran exposición de su obra última (Le Corbusier. Buildings in Europe and India) que Arthur Drexler, director del Departamento de Arquitectura del Museo de Arte Moderno (MoMA), de Nueva York,  organizó, y que contó con un montaje del propio Le Corbusier. Dominaba el lenguaje expositivo.
Su gran aportación a la historia de la escenografía expositiva fueron unas grandes cajas de luz, treinta años antes de que se impusieran en el mundo de la fotografía "artística", que colgaban, como cuerpos o volúmenes, como galerías, de las paredes de las salas, con fotografías de gran tamaño de sus edificios -el empleo de la fotografía, de diversos tamaños y "volúmenes", era omnipotente. Situadas en estanterías bajas continuas, colgadas en esquinas, ubicadas a distintas alturas, como vidrieras, definían u organizaban el espacio. Pequeñas maquetas, por el contrario, descansaban sobre gruesas peanas, que también se asemejaban a volúmenes arquitectónicos, salidos del muro, un recurso que artistas contemporáneos han utilizado ya en el siglo XXI.
Esta exposición posiblemente sea una de las más importantes de la segunda mitad del siglo XX. 

TAKUYA INABA (1976): GOLDEN TIME (LA EDAD DE ORO, 2014)

....o las aventuras de un televisor pasado de moda y abandonado en un basurero -que se resiste a morir. Cuando la televisión ya no es el centro del hogar...
Un maravilloso cortometraje de animación japonés.

La primera película de Inaba, célebre por haber sido unos de los dibujantes del posterior cortometraje de animación La casa de los pequeños cubos (2014)

HARRY GRUYAERT (1941): LA CIUDAD EN COLOR

No, no se trata del descubrimiento de unas fotos en color tomadas por Edward Hooper. Pero bien podrían haber sido tomadas por él, si Hooper hubiera sido un fotógrafo y no un pintor -razón por la cual estas imágenes, inspiradas por la pintura de Hooper, no existirían.

Hasta los años setenta, las fotografías aceptables y aceptadas eran en blanco y negro. El color se destinada a la publicidad y a la moda. Era vulgar. La ciudad era un combate entre planos blancos y planos en sombra.
El color no sentaba bien a la cultura protestante. Evocaba ocultos placeres católicos, o el orientalismo.
El fotógrafo belga Gruyaert -miembro de la agencia Magnum- nacido en una familia calvinista, solo hubiera podido realizar fotografías en blanco y negro si no hubiera viajado a Marruecos en los años setenta. Este viaje fue, como lo había sido para Klee y Matisse, una revelación. La ciudad no se pobló, siguió siendo un enigmático, y a veces difícilmente comprensible entorno, pero viró hacia el color. Color saturado, de atardecer, cuando las sombras alargadas, como en los cuadros de de Chirico -y de Hooper- suplen la ausencia de personas, reducidas, en todo caso, a paseantes solitarios, a lo lejos, seguidos o precedidos por sus propias sombras, confundidos con ellas.
Imágenes de ciudades norteamericanas, de África del norte y del Próximo Oriente, cuyos colores se inspiran a menudo en los violentos colores de las imágenes televisivas de los años setenta, expuestas en estos momentos en dos muestras en Francia. 

Picasso. La mirada del fotógrafo (Museo Picasso, Barcelona, junio-octubre de 2019)

Comisarios: Violette Andres (Museo Picasso, Paris) & Emmanuel Guigon (Museo Picasso, Barcelona)

Diseño del montaje: Pedro Azara & Tiziano Schürch 

Diseño gráfico exterior: pfp disseny (Quim Pintó & Montse Fabregat)
Construcción del montaje: Artpercent (Favio Monza)

Extensa, exhaustiva y sobria  muestra de fotos sobre placas de vidrio tomadas por Picasso a principios del siglo XX, de fotos de los diversos talleres de Picasso tomadas por un gran número de fotógrafos, algunos grandes artistas como Brassaï y Dora Maar, y de experimentos, serios y  juguetones a la vez, de Picasso con fotografías, negativos y recortes.
La exposición de unas trescientas cincuenta fotografías, casi todas en blanco y negro, y muchas con impresiones de época, seleccionadas entre las veinte mil que formaban parte de la colección personal de Picasso (y que hoy atesora el Museo Picasso de París), junto con imágenes de coleccionistas y fotógrafos, como Leopoldo Pomés (algunas inéditas), se completa con algunas obras de arte -esculturas, pinturas, dibujos y grabados- que aparecen en los interiores fotografiados. Fotos con un “estatuto” de obras de arte, como las tomas de Brassaï, la cineasta Nicole Védrès o incluso de Leopoldo Pomés, y otras con un interés más exclusivamente documental. Las fotos de Dora Maar sobre las etapas de la creación del cuadro Guernica, estarían a caballo entre la obra autosuficiente y el documento.
En algunos casos, las fronteras entre géneros artísticos se diluyen: Picasso grababa sobre fotografías, fotografiando el resultado, mientras que en otros casos pintaba sobre placas de vidrio y revelaba, con distintos tiempos de exposición, los “negativos”, impresiones sobre las que, de nuevo, en ocasiones, volvía a intervenir.
Una primera gran exposición sobre la compleja relación de Picasso, como artista y como modelo, con la fotografía, sobre cómo se relacionó con este medio, que sugiere que Picasso, en tanto que gran ojo que “vampirizaba” lo que le rodeaba, fue, en el fondo, un “fotógrafo” voraz, como lo definía Man Ray.

NICOLE VÉDRÈS (1911-1965): LA VIE COMMENCE AUJOURD´HUI (LA VIDA EMPIEZA HOY, 1949). PICASSO & LE CORBUSIER

¿Una película protagonizada por Picasso y Le Corbusier -con música de Darius Milhaud?
Insólita, pero no imposible.
La célebre documentalista francesa Nicole Védrès, la mejor del mundo según Chris Marker, realizó un largometraje documental sobre la vida tras la bomba atómica, financiado por la UNESCO.

Picasso y Le Corbusier, entre otros, asumieron diversos papeles: El Pintor, y El Arquitecto.

Le Corbusier guió al único personaje de ficción del documental, interpretado por un actor, una visita a la ciudad del futuro, mientras Picasso modelaba y pintaba cerámicas ante la cámara. En el mundo atómico se retornaba a las artes originarias.