Examen final

 

Examen final en la Universidad Politécnica de Cataluña (UPC), jueves 28 de enero de 2021.

Foto: Tocho, UPC-ETSAB

Educación y ciudad

 “Puesto que toda ciudad tiene un solo fin, está claro que también la educación tiene que ser una y la misma para todos los ciudadanos, y que el cuidado de ella debe ser cosa de la comunidad y no privada, como lo es en estos tiempos en que cada uno se cuida privadamente de sus propios hijos y les da la instrucción particular que le parece” 

(Aristóteles: Política 1337a 21-26)

En el siglo IV aC....

Arquitectura y tiempo

 “La eternidad no debe habitar la arquitectura, debe habitar el arquitecto” (V. Segalen, arqueólogo y poeta, 1878-1919)

Las construcciones caducan y decaen, las ideas , las visiones, en cambio, perduran.

Arte inmersivo

Tras la pandemia, la falta de público, la dramática reducción de fondos, los costes desorbitados del transporte de obras, el posible cierre de fronteras, la inseguridad, y el hermetismo o la mediocridad de una parte del arte (contemporáneo), una nueva amenaza, quizá la más inquietante, se cierne sobre los museos: el llamado arte inmersivo.

Una noticia alarmante,ayer, contaba que el muy serio Grand Palais, en Paris, sede de las grandes exposiciones organizadas por la Reunion de los Museos Nacionales, una organización pública nacional que engloba a los principales museos franceses,, con un presupuesto que supera a la de cualquier gran museo -exposiciones antológicas o temáticas casi definitivas, capaces de presentar las mejores obras y publicar catálogos, populares y académicos al mismo tiempo, difíciles de superar-, se entregaba a esta nueva modalidad "artística", que otras ciudades, como Barcelona, sufren desde hace tiempo.

¿Qué es el arte inmersivo? O qué no es: porque no es arte. Son reproducciones, a tamaño descomunal, de obras de arte, descompuestas en fragmentos a escala monumental, sobre soportes plásticos brillantes retroiluminados, con colores chillones propios de anuncios publicitarios, dispuestos en las salas a oscuras, que quieren dar la sensación, no solo que se pueden ver de muy cerca los más ínfimos detalles de una obra -imposibles de descubrie en un museo donde se tienen que mantener las distantes con obras a veces protegidas por gruesos cristales que reflejan la luz y hacen de espejo-, sino que se puede desplazar en la obra, estar en ella, rodeado por ella.

Proyectarse en una obra, tener la sensación, la ilusión, que uno se encuentra en la imagen: una sensación que cualquier cuadro naturalista produce; una sensación, inevitable, de bienestar o de inquietud. La imagen nos atrae, nos atrapa y nos "engloba". Esta sensación no requiere ningún artilugio ni ningún truco: solo una confrontación con la imagen.

Mas esta confrontación exige que se cuiden las formas, que se mantengan las distancias. La observación, el aprecio de una obra, exige que nos alejemos de la obra. Lejos de un acercamiento, debemos retirarnos. Las imágenes están concenidas y hechas para ser contempladas desde cierta distancia. Son a la vez una cuarta pared y una apertura a lo que se halla detrás de dicha pared. Como Alicia en El país de las maravillas, o Al otro lado del espejo, como Dorothy en la Ciudad Esmeralda, podemos soñar con visitar detalladamente el mundo que la imagen retrata y crea; pero esta visita es un sueño, que requiere que estemos de este lado del espejo para poder transpasarlo con la imaginación. 

El arte inmersivo se basa en una falacia: el arte solo se puede apreciar con los sentidos, tan excitados que no se puede reflexionar, cuando el arte es un mecanismo paradójico que nos hace pensar a través de la activación de los sentidos conectados a nuestro intelecto. El arte, tras un primer encuentro, se aprecia con los ojos (los sentidos) cerrados; el arte nos impresiona cuando lo recordamos -recuerdo que activa el deseo de volver a contemplar la obra. Es la memoria y no la vista el órgano que nos permite acercarnos al arte. 

Una imagen es un mundo, cerrado y unitario; un señuelo que nos capta y nos cautiva. Pero no podemos perder el contacto con nuestro mundo para perdernos en el mundo de la imagen. Este fascina porque es inacesible; mantiene pues indemne el deseo de alcanzarlo. Objeto imposible y sin embargo imposible de descartar. El zorro quiso creer que las uvas estaban a su alcance. Tras comprobar que se le escapaban y se le escaparían siempre, se dió la vuelta irritado y las maldijo. 

El arte inmersivo no pretende poner el arte a nustro alcance. Pretende diluir la frontera entre arte y realidad, lo prosaico y lo soñado, cumplir supuestamente nuestros sueños, es decir, destruirlos. El arte inmersivo anula el arte y su capacidad incantatoria y de encantamiento. Tras un paseo entre gigastescos paneles luminosos de colores, que no atienen a las dimensiones de la obra -que no guarda, no respeta las medidas, una falta de respeto-, salimos a la calle y nos olvidamos al momento de lo que hemos visto. El arte inmersivo suspende la mayor "virtud" del arte: su capacidad de ser recordado, de suscitar imágenes y de despertar el deseo de volver a contemplarlo.  El arte inmersivo no da lugar a ninguna experiencia sino tan solo a un fugaz, y finalmente molesto, deslumbramiento, que la luz del dia disipa para siempre.  A tono con nuestros tiempos.

La huella de los dioses

Los dioses tenían (o tienen) que manifestarse sensiblemente, de alguna "forma" -siquiera bajo la "apariencia" de la luz de un candil, o el vacío de una hornaciana, como en el Islam, o tras una hoguera, o nubes de tormenta, como Yahvé-. 

Mientras que los dioses paganos adoptaron una forma humana, si hicieron pasar incluso por humanos, tal como cuenta Homero, el dios cristiano nació como un ser humano sin dejar de ser una divinidad.

Ocurre que todos estos recursos "formales" son de corta duración. El mismo dios cristiano solo estuvo, cuenta la tradición, treinta y tres años en la tierra. Luego, ascendió, es decir, desapareció de la vista de los humanos. Del mismo modo, los dioses paganos, disfrazados de humanos, mantenían dicha apariencia el tiempo de una conversación con algún heroe. Tras el diálogo, se esfumaban -en el sentido literal: solo dejaban una estela de humo, pronto disuelta.

Nadie vió a Alá; pero siempre habló a través de su profeta, un humano a parte entera que voló a lo cielos antes de morir en su lecho, como cualquier mortal. Nadie vió a Alá pero el creciente de luna quizá lo "represente" como antigua divinidad lunar, con esposa e hijas, que fue.

Alguna forma sensible es necesaria para que los humanos se remitan a la divinidad, necesariamente invisible : una imagen sensible, una palabra, un sonido, un olor: En el Paraíso, se oían los pasos de Yahvé cuando se desplazaba, rozando la pradera.

Los dioses han dejado "muestras" de su paso por la tierra, de su existencia: piedras -a  veces caídas del cielo- e imágenes. Entre éstas, destacan las huellas. 

El templo neo-hitita de Ain Dara, en el norte de Siria, no lejos de Alepo, fue bombardeado por el ejército turco hace unos pocos años y ya nada queda, ni siquiera del umbral en el que estaban nítidamente inscritas dos huellas humanas desmesuradas, las huellas de la divinidad. Del mismo modo, el senador romano tardío, Paulino de Nola -convertido al cristianismo en Barcelona a principios del s. V dC- destaca, en su Carta 31, la existencia de la huella de Cristo, inscrita en la piedra, en el lugar mismo dónde ascendió a los cielos.

Las huellas son signos característicos que remiten tradicionalmente a la divinidad. Son marcas grabadas en la materia por contacto directo. Ningún escultor ha intervenido. El peso de la divinidad se ha dejado voluntamiento sentir y la piedra ha cedido: ha acogido la figura divina. Mas, contrariamente a los retratos mágicos del rostro de Cristo, como el velo de la Verónica, también inscritos sin intervención humana, denotan la presencia de la divinidad a través de la imagen de su rostro perfectamente reproducido en la tela, las huellas -de los pies son el testimonio de una ausencia. La divinidad ya no está allí -ni en ningún lugar. La huella está hueca: es un vacío. La huella suscita la nostalgia; ni siquiera denota, más allá de una forma antropomórfica, quien "era", qué forma tenía la divinidad. Un retrato provoca la ilusión de una presencia. De algún modo, suple la ausencia. Aunque Cristo haya desaparecido, el retrato mágico de Jesús impide que éste desaparezca del imaginario humano. El retrato está casi vivo. Los ojos bien abiertos de la imagen parecen mirar a quien lo contempla. Se produce un intenso y turbador cruce de miradas. Pero una huella solo acentúa la desaparición de la divinidad y la soledad humana. La huela invita a retrotraerse a otros tiempos. La huella marca el final de una era, en la que dioses y hombres cohabitaban. Una huella es un recuerdo de lo que fue y ya no será. Ante la huella no cabe la esperanza sino la desolación. Revela que la divinidad quiso partir, que su tiempo entre los humanos había concluido, a los que solo les quedaba el vacío, la sensación de vacío ante lo que, en el fondo, es la muerte de la divinidad, su reclusión, su partida sin regreso posible. La huella solo invita a alzar la vista, escudriñar el cielo y no ver nada. Las huellas son siempre los peores legados pues denotan todo lo que se ha perdido.

GRAINGER DAVID: THE CHAIR (2012)

THE CHAIR from Grainger David on Vimeo.

Para ver legalmente este video, "clique" en la franja azul.

Cortometraje premiado en el Festival de Cannes y en Sundance.

En un pueblo del sur de los Estados Unidos afectado por una súbita y extraña enfermedad contagiosa....

PABLO PICASSO (1881-1973): JOYAS

 

La producción artística de Picasso es ingente. Innumerables, agotadoras exposiciones -de éxito seguro- han cercado, desde su fallecimiento, todos los temas, estilos y géneros que trató: retratos, paisajes, naturalezas muertas, desnudos, temas mitológicos greco-latinos, quizá mesopotámicos incluso, mediterráneos, temas animalísticos, formas clásicas; obras de juventud, simbolismo, cubismo, neo-clasicismo, surrealismo, expresionismo, nueva figuración; pintura, escultura, dibujo, grabado, cerámica, juguetes, gastronomía, poesía y teatro....

Y exposiciones sobre Picasso y.... (poner casi todo)

Parece que ningún tipo de arte, mayor, menor, decorativo, se le escapó -quizá la música y la arquitectura: artes hermanas-, y todos han sido escudriñados y expuestos.

¿Todos? 

Sorprende descubrir aún facetas casi inéditas de la obra de Picasso. Por ejemplo, la joyería, un tema tan íntimo que Picasso incluso prohibió que se la incluyera en las últimas muestras retrospectivas.

Las primeras joyas fueron piezas únicas, regalos para amigas y amantes ya en los años treinta, cuando Picasso tenía más de cincuenta años. Entre éstas, los broches y los anillos que pintó, que grabó o que engarzó -piedras, cantos de río, ensartados- para Dora Maar, piezas de las que solo se supo a la muerte de ésta.

Mas tarde, probó con la impresión de joyas en cerámica. Algunas se reprodujeron, también en terracota. Otras, por fin, se reprodujeron en oro y plata. En algún caso, Picaso, ya muy mayor, dejó que el joyero decidiera.

La mayor parte de las joyas son broches y colgantes: relieves o incluso estatuillas en miniatura; algunas -piezas únicas, son diminutas pinturas enmarcadas.

Algunas galerías han mostrado joyas producidas en series limitadas. Las joyas de Dora Maar se conocieron cuando se vendieron en subasta. Posiblemente nunca se han mostrado en su casi totalidad.

Una próxima exposición, de aquí a unos meses, en el Museo Picasso de Barcelona, en medio del vendaval de la pandemia, abordará este tema escasamente estudiado y desvelara obras diminutas, con una iconografía reconocible, muchas de las cuales fueron, al menos en los inicios, fugaces testimonios de sus relaciones más íntimas.