ELLIOTT CARTER (1908-2012): MORE´S UTOPIA (THREE ILLUSIONS FOR AN ORCHESTRA, 2004)

Sobre este compositor norteamericano, véase su página web

Perder la cabeza (ídolos) / To Lose Your Head (Idols): Pabellón catalán, Bienal de Arte de Venecia, 2019

BIENNAL DE VENÈCIA | L’@IRLlull portarà a la @la_Biennale de #Venècia una reflexió sobre la relació de l’ésser humà amb les estàtues. Pedro Azara és el comissari del projecte 'Catalonia In Venice_To Lose Your Head' al pavelló català | @EuropaCinemas @Rambladelart | @aalberti_ pic.twitter.com/9pu37R3fsA

— L'Informatiu (@linformatiu_tve) 9 de abril de 2019

Perder la cabeza (Ídolos): presentación de la exposición del próximo pabellón catalán en la Bienal de Arte de Venecia, mayo-noviembre de 2019

Video: Quim Pintó y Montse Fabregat (pfp disseny)

Fotos: Tocho, 2018-2019, Depósito municipal de la Via Favencia, Barcelona
Agradecimientos a Carmen Hosta y a Aureli Santos (Ayuntamiento de Barcelona), sin los que este proyecto no habría sido posible



¿Alguno de nosotros ha podido o podría borrar para siempre o romper las fotografías de amigos íntimos o familiares cercanos recientemente fallecidos?

Ésa es precisamente la pregunta que plantea y a la que intenta responder la exposición del pabellón catalán de la próxima Bienal de Arte de Venecia (mayo-noviembre de 2019)


TEXTO INTRODUCTORIO DE LA MUESTRA

PERDER LA CABEZA….

Primera versión:

“Para destruir un ídolo, se debe moler y echar el polvo al mar. No se debe lanzarlo al viento porque podría fertilizar la tierra. Nada prohibido debe quedar en las manos (Lo Yidbak b'Yadcha Me'umah Min ha'Cherem). Hasta los fragmentos deben desaparecer.” (Avodaz Zarah –Adoración extralña-, 44)

“ Había una pequeña Virgen que le gustaba mucho, y de pronto, delante de la Virgen, se enterneció y empezó a hacer una especie de oración, y después, sin ninguna clase de intermedio, escupió a la Virgen y empezó a insultarla.” (Salvador Dalí sobre Luis Buñuel, 1969)

Lejos de la reflexiva actitud ante las imágenes que se debería de tener, según la teoría del arte occidental, heredera del Siglo de las Luces -guardando las formas, manteniendo las distancias, desde este lado del espejo-, ayer como hoy, las estatuas naturalistas, expuestas al público, suscitan reacciones apasionadas, que van del acercamiento al rechazo, de las caricias a la mutilación. Las estatuas se “exponen” a provocar enconados movimientos, se arriesgan a mostrarse, a revelar su cara, al careo, al enfrentamiento; buscan el encuentro, retan, rozan a los espectadores. Las estatuas organizan y disuelven comunidades, muestran lo que se quiere ver –y no puede verse si nos es por la mediación de la imagen-, y lo que se rechaza. Las imágenes son seres vivos que no dejan a nadie indiferente.

Los retos, los riesgos que la manifestación de las estatuas acarrea se dan en todas las épocas y culturas. Son testimonios adorados o molestos. Ponen en juego su vida y la vida de quienes viven pendientes de aquéllas. La buena o mala fortuna de un individuo o de una colectividad depende del buen o del mal de ojo de la imagen.

Una comunidad como Cataluña no escapa a esas reacciones humanas ante la presencia de imágenes. Se hace cola para adorarlas, o se las ciega, se las decapita. Pero la cabeza que pierden también simboliza la cabeza que perdemos, una pérdida que es una ganancia, pues es la prueba que la imagen ha logrado su objetivo: sacarnos de nuestras casillas, despertarnos y enfrentarnos a nuestros temores y a nuestras esperanzas. Devolvernos a una vida plena y contradictoria. Una estatua adorada o destruida es una estatua colmada, que ha alcanzado el fin.

La exposición presenta la biografía de una quincena de estatuas públicas que, en los últimos años, durante y años después de la dictadura, han suscitado reacciones apasionadas, viscerales o extáticas, y expone algunas cuya vida más las ha marcado, junto con interpretaciones contemporáneas, desde diversos géneros artísticos, del fervor, del dolor o el temor con el que las afrontamos. Los propios visitantes podrán confrontarse con ellas, dentro y fuera del pabellón, o podrán “ver” como algunas se les acercan…Cuidado con las estatuas.

“… invadieron la Grecia sin perdonar del saqueo las estatuas de los dioses, ni del incendio los templos. ¡Los altares, suprimidos; las estelas de los dioses, arrancadas de raíz de sus bases, por el suelo en confusión, arrojadas! Por el daño que han causado digno castigo sufrieron, y aún habrán de sufrir más, que el cimiento de sus penas acaba de ser echado, y se encuentra aún en la infancia. Que tal será el amasijo de sangre y degüello que sufrirán…” (Esquilo: Los Persas)

“Lasciate ogni speranza o voi che entrate"

(Dante Alighieri: “Inferno”, III, La Commedia)

Segunda versión:

“…ces images nous ignorent; elles sont d´un autre monde…”

(Chris Maker: …Et les statues meurent aussi)

“... à peine entassés les uns sur les autres, ces morceaux de matière informe arrachés à la matière iront reprendre tout doucement leur lente dérivation à travers le règne minéral qui pas un instant n´a cessé d´être le leur”

(Jean-Daniel Pollet: Bassae)

Si el barro que somos retorna al barro, la piedra que son las estatuas también pide volver a su condición originaria. La estatua es un artificio:  tallada, moldeada o fundida, materia violentada. La estatua es un cuerpo extraño. No somos de piedra: su aparición desencadena reacciones apasionadas en el seno de las comunidades que, como un tótem, ha estructurado y centrado. Se las adora o se las decapita, se las necesita o se las oculta. Son espejos que desvelan nuestros prejuicios y nuestras inseguridades. La estatua nos saca de nuestras casillas. Nos descoloca. Reaccionamos a la desesperada. La estatua nos domina y nos reta. Se nos encara. Somos marionetas que maneja. Pero su ruina no es un final sino un principio. La piedra se desprende de la forma que la enjaula, lista para ser nuevamente manipulada. Atada al ciclo eterno de creaciones y destrucciones.

Perder la cabeza (Ídolos) es una muestra que documenta la compleja vida de estatuas, que algunos artistas, hoy, recrean y sobre las que reflexionan. Ante las estatuas, nuestros ídolos, perdemos las formas –y las desfiguramos–, para que no nos miren más, para no vernos más reflejados en sus ojos).

De: Kerman Arranz, Pedro Azara, Llorenç Bonet, Marcel Borràs, Joan Borrell, Olga Díaz, Montse Fabregat, Albert García Alzórriz, Anabel Labrador, Dolors Magallón, Favio Monza, Quim Pintó, Tiziano Schürch, Eva Soria, Joana Teixidor

DOCUMENTO DE PRENSA

Presentació de Catalonia In Venice_To Lose Your Head (Idols), Evento Collaterale della 58. Esposizione Internazionale d’Arte La Biennale di Venezia

El animismo urbanita

Para que los lectores que no viven en la Península pueden entender este sesudo artículo, sería necesario saber que Vox es el nombre de un partido de reciente cuño que parece haber llegado para quedarse.
La reciente exposición pública de su recio ideario plantea algunas interesantes cuestiones relacionadas con la arquitectura y la ciudad.

"Es nuestra obligación defender a nuestros abuelos, a nuestros hijos, a nuestras mujeres. Nuestra casa es nuestro castillo".
No non atiene comentar la curiosa defensa que este partido enuncia de abuelos, hijos y mujeres -siempre descritos como posesiones, ya que son "nuestros"-, que obvia a los padres, como si se les destinara a la hoguera o al asilo (pero ya se sabe que los hijos siempre tienen que matar al padre)-, y a los hombres, lo que lleva a la conclusión que no hay mujeres en este partido -cuesta pensar que la defensa de los hombres pudiera estar a cargo de hombres, lo que resultaría muy sospechoso para el ideario de este partido-, o que éstas, débiles y sumisas, no tienen la capacidad (¿o la voluntad?) de defender a los hombres -no irán a defender mujares, también sospechoso-, y desde luego no pueden defender a los hijos, lo que incumbe a los padres, aún con el riesgo que los hijos los maten. 
En fin, tras este lío parental, la familia permanece unida en una casa que es un castillo: una construcción que, aunque existan castillos construidos en el siglo XXI, evoca más bien imágenes un tanto pretéritas, medievales, una construcción cerrada a cal y canto, dotada de puente levadizo, muralla y almenas, una obra solitaria, en lo alto de una montaña, que solo sirve para defenderse, una imagen extraña -como la que evocan las "murallas inexpugnables entre Ceuta, Melilla y Marruecos- pues según este partido, cuando reine, nada deberemos temer. Podríamos bajar la guardia. 

La denuncia del "animismo urbanita", un pecado de lesa majestad que hay que expiar, al parecer, plantea también alguna duda. El partido no denuncia el animismo, sino un tipo de animismo. El animismo es una creencia pagana en la animación de todas las cosas, poseedoras de un espíritu. Esta creencia casi bárbara, propia de "salvajes" aún sin cristianizar casa mal con la defensa del catolicismo que practica este partido, 
Pasemos sobre esta imprecisión. El partido, al menos, sí condena el "animismo" urbanita. Urbanita -un anglicismo, lo que de nuevo constituye una ligera mancha ideológica para un partido que defiende a capa y espada el español- significa propio de la ciudad. "Animismo urbanita" se referiría a una creencia muy rara: la animación de la ciudad, considerada como poseída por un espíritu y, por tanto, maligna. El animismo se asocia con los demonios, una creencia satánica. Dicha condena cuadra bien con la consideración de la casa como una estructura cerrada y aislada, replegada sobre sí misma, temerosa de todo lo que acontece alrededor -aunque este partido, paradójicamente, sostiene que no se tiene que tener miedo, pues está aquí para defendernos-, pero menos con el hecho que los mítines, siempre multitudinarios, de este partido, no tengan lugar en pueblos o, incluso mejor, en lo alto de las montañas, sino en el centro de grandes ciudades. ¿No temen que las ánimas de la ciudad les afecte el ánimo? Supongo que querrían ciudades libres de animismo, es decir ciudades no animadas, ni siquiera rendidas, sino muertas. Pero entonces ¿sobre qué o quienes gobernarían, a quienes redimirían? ¿A cazadores y recolectores? Volveremos a los alegros tiempos de Pedro Picapiedra (y Pablo Mármol). Muy bien -si se corrigen leves confusiones ideológicas.


Dedicado a MM quien nos ha revelado este aleccionador artículo.

Prosecución (Obras del templo expiatorio de La Sagrada Familia "de" Antonio Gaudí en Barcelona)

Transcripción de mensajes hoy entre tres arquitectos sobre la prosecución de las obras del templo expiatorio de la Sagrada Familia, de Barcelona que se llevan a cabo desde la muerte del arquitecto y la desaparición de los documentos gráficos y escritos durante la Guerra Civil española.


- Creo que la obra se debería acabar en su totalidad (sobre todo en lo que concierne a las viviendas afectadas que se deberán expropiar).

- Pero se hubiera tenido que abordar el problema ahora, como también se hubiera tenido que debatir sobre el concepto de autoría

- En efecto, si se reconociera que el templo que se está construyendo no es de Gaudí -aunque quizá entonces se recaudaría menos y ya no se vería la “necesidad” de acabarla-, se podría continuar, ya que el daño a la obra original es irreparable y no hay vuelta de hoja. Destruir todo lo levantado desde la Guerra Civil es imposible por lo costoso y seguramente porque afectaría a lo que Gaudí levantó . Otra cosa es que lo que Gaudí proyectó y construyó tenga interés

- Lo que se está haciendo hoy viene a ser una "recreación" de las ideas de Gaudí, pero los responsables de la obra deberían dejar que sostener que construyen según el proyecto de Gaudí. Me parece mucho más interesante explicar cómo una obra, que el mismo Gaudí sabia que no vería acabada, se ha ido abordando por cada uno de sus sucesores, y reconocer la autoría de las decisiones de todos ellos.

- Creo que es así: se está llevando a cabo un trabajo muy digno, y lo único que no podemos hacer es engañar y seguir diciendo que se realiza el proyecto de Gaudí. Se está interpretando cómo se puede y se sabe.

- Y me parece una actitud muy interesante: muy contemporánea

- Comparto el punto de vista. El problema reside en que se quiere simplificar el trabajo que se lleva a cabo para promocionar la obra masivamente a los turistas. Es evidente que esta práctica funciona: los visitantes son día a día más numerosos, pero también es cierto que provoca el rechazo de toda persona con un cierto conocimiento que tiene la impresión que la obra es de cartón piedra.

- Al final, se está construyendo un icono turístico más: nada más

- Pero el proceso es muy interesante: la manera de abordarlo y el impulso tecnológico. Lo que se hizo después de la Guerra Civil no se tiene que derribar porque tiene un valor patrimonial en sí mismo, y no solo porque el derribo afectaría a la obra de Gaudí. Pero querer justificar que todo lo que se realiza se lleva a cabo bajo el proyecto de Gaudí menosprecia el trabajo que han hecho todos los que han seguido con la obra. Es más interesante y se puede aprender mucho más de lo que se supone estudiar un proyecto de hace cien años, con un concepto completo pero una realización incompleta, y plantearse cómo acabarlo cien años después, con todas las contradicciones que esta decisión comporta.

-Es cierto. El problema no es la prosecución de la construcción -se levantan hoy proyectos horrorosos, incluso de arquitectos conocidos, como la fundación Lumi en Aix-en-Provence (Francia), de Gehry, y el mundo no se hunde-. El problema -ético-, en efecto, es hacer creer que la Sagrada Familia es de Gaudí -independientemente de que por ser de Gaudí tenga necesariamente interés. Se trata de una falacia semejante a la de hacer creer que las murallas de la ciudad francesa de Carcasona son medievales, si bien también se reconoce a veces que responden a una visión romántica del medievalismo. Quizá se pudiera reconocer que la puesta en marcha de las obras de la Sagrada Familia, nuevamente, en los años cincuenta, estuvo facilitada por la atmósfera nacional católica de los primeros años del franquismo, y que hoy los beneficios económicos que genera -no creo que mucha gente crea en la necesidad de expiar pecados con una obra así- son tan irresistibles que la obra no se puede y quizá no se deba parar. Más que un templo es un casino, que no deja de ser un templo levantado al dios del dinero.

La interpretación de la arqueología

El escritor argentino Jorge-Luis Borges anotó que Picasso era anterior a los escultores africanos del siglo XIX ya que las obras de éstos entraron en los museos y fueron apreciadas como obras de arte por los ojos occidentales gracias a la “lectura” que del arte africano Picasso realizó, quien se inspiró de la manera de componer dichas tallas, una manera inédita de mirar y de traducir plástica la visión en el arte occidental nacido del renacimiento que se apartaba del naturalismo.  Picasso creó el “arte” africano, lo introdujo en el mundo del arte tal como éste fue definido en Occidente en el siglo XVIII. Picasso es más antiguo que las esculturas africanas más antiguas, pues sin Picasso, sostuvo Borges, no hubiéramos mirado aquellas tallas, no habríamos sabido mirarlas en Occidente, hubiéramos desviado la mirada ante su presencia enigmática que no cuadraba con forma de representación conocida y aceptada alguna. Los escultores africanos no se inspiraron del arte moderno occidental –en este caso, la relación es inversa- pero la creación africano devino arte, entró en la historia del arte y se relacionó con otras formas de arte gracias a que Picasso lo contempló como si fuera un arte más. El arte africano empezó a ser contemplado “desinteresadamente”, se empezó a pensar que el arte africano había sido creado para ser contemplado desde la distancia, gracias a Picasso, en palabras de Borges.

¿Qué tenemos delante, qué vemos?

RAFAEL SÁNCHEZ FERLOSIO (1927-2019) Y LA ARQUITECTURA: EL UMBRAL (1986)

"La despedida pone un marco –umbral, jambas, dintel–, no por imaginario menos efectivo, al límite que traspasa la partida. Es justamente ese marco imaginario el que se hace sensible y material cuando el buen arquitecto, el que sabe sentir de verdad lo que es la casa, acierta a dar al portal ese ademán materno, protector, ésa cálida función de espacio consagrado, que conviene al lugar de la partida y el retorno. La protección del marco no se extiende tan sólo sobre la esperanza de volverse a ver, sino también sobre el temor de no volverse a ver, pues temor y esperanza no son más que el anverso y el reverso de una misma moneda. Si las personas estuviesen siempre totalmente seguras de volverse a ver no necesitarían despedirse; se despiden, sin duda, para volverse a ver, pero precisamente en la medida en que al mismo tiempo se despiden por si no llegan a volverse a ver. Hasta qué punto el rito protege también el no volverse a ver se manifiesta en la manera en que, cuando efectivamente ocurre la desgracia, la despedida es justamente lo que al instante surge como primer asidero que, palpando a tientas, por así decirlo, en la negrura del desgarramiento, halla la mano del recuerdo, y al que se aferra con el alma entera como al primer sostén, como al punto de referencia cardinal, para la comprensión y aceptación de la tragedia."

(La homilía del ratón, El País, Madrid, 1986)

PS: Sánchez Ferlosio estudió arquitectura.

¿Y quién, pronto, quedará?