JOAN HERNÁNDEZ PIJUÁN (1931-2005): CASA

 

Las casas que dibujara y pintara el artista Joan Hernández Pijuán no tienen ventanas ni puertas. No se entra. Se está.Unas líneas perfilan la forma de la casa, a la vera de un árbol que la flanquea, a veces como un enhiesto cirio, como si este la alumbrara, una casa en medio de un cercado, debajo de una nube que no la ensombrece sino que la cubre o la aureola: una casa en el paisaje, desde la que se descubre el paisaje. Del color de la tierra, ocre, hace cuerpo con ella, a menos que apenas sobresalga en la lejanía sobre una colina.

La casa es pequeña. Un refugio, no un signo de ostentación. La casa no es un bien, aunque hace el bien alrededor suyo. 

Casas simétricas, planas, no sobresalen, no destacan, se integran en un territorio que, sin embargo, solo es digno porque una casa pequeña ha escogido posarse en él. Son como un mapa apenas desplegado. Ayudan a soñar que no nos perderemos.

Una casa como la que dibujaría un niño, desprovista de elementos superfluos, reducida -como una reducción culinaria o un perfume, una operación de alquimia, que busca la esencia- a unos pocos componentes que la definen y precisan nuestro lugar en el mundo.

Durante años, Hernández Pijuán fue el verdadero arquitecto que muchos arquitectos no logramos o no quisimos ser. 

Luego, cayó en el olvido

Una exposición en París lo acaba de rescatar:

https://andresthalmann.com/exhibitions/92-joan-hernandez-pijuan-tornar-a-paris/overview/

Divino encuentro (o Politeísmo y Monoteísmo)

 

Procesión durante la cual la Virgen María de Montserrat de Sevilla visita a la Moreneta de Montserrat, cerca de Barcelona.

La Moreneta es el nombre de la Virgen María de Montserrat, que es una “virgen negra” (de piel ennegrecida por el humo de las velas, sin duda).

¿Son las estatuas dos imágenes diferentes de un mismo ser, o representan a dos seres distintos? ¿La diferencia reside en la imagen o en el modelo?

Un encuentro ocurre entre dos seres diferentes. El único encuentro que un ser, cada uno de nosotros, puede tener consigo mismo es a través del espejo.
Pero las estatuas no son solo imágenes, sino “verdaderas” imágenes, imágenes que coinciden con el modelo. Entre el modelo y la imagen no hay diferencia. Quien se enfrenta a una imagen se enfrenta a un modelo.

Así, según se desprende de la noticia,  dado que las estatuas son consideradas diferentes, deben representar —o deben estar relacionadas con— dos seres distintos.

El fiel no reza de manera indiferente a una estatua. Elige cuidadosamente ante qué estatua situarse. Esto significa que elige con qué ser desea conectarse. Y la elección, lógicamente —si la lógica profana puede aplicarse a los misterios— indica que los modelos son diferentes.

Así pues, la Virgen de Montserrat en Sevilla es (y no es) diferente de la Virgen de Montserrat (o Moreneta) de Montserrat.

Esto, por supuesto, es lógico, pero no posible, porque solo hay una Virgen y porque ella es un ser humano, no una divinidad, y aún menos dos divinidades.

Pero, como en la Antigua Grecia el Apolo de Delfos no era el mismo que el Apolo de Delos —y se representaba de manera diferente—, la Virgen María de Montserrat en Sevilla es diferente de la Virgen María de Montserrat en Montserrat.

De algún modo, nosotros, como seres humanos, tenemos distintos rostros. Uno el mismo dando una clase que escribiendo en un blog. Nos expresamos de manera diferente. Mostramos distintos aspectos de uno mismo. Somos —y no somos— la suma de todas nuestras imágenes. Tenemos distintos roles como profesionales, amigos, amantes, padres… y los roles que desempeñamos son tan diferentes, las maneras en que actuamos son tan distinguibles —uno puede ser severo como profesor o como padre, tolerante como amigo o como colega—, que de hecho resulta difícil incluso para nosotros mismos tener la impresión de que somos la misma persona en situaciones tan distintas.

Así, este encuentro religioso anunciado por las noticias revela en realidad cuán complejos somos, cuán misteriosas, imaginativas y creativas son nuestras creencias —en seres divinos o humanos—, cuán rica y compleja es nuestra percepción del mundo, y cuán sutil y matizada es la diferencia entre el politeísmo y el monoteísmo

LYGIA PAPE (1927-2004): BALLET NEO CONCRETO (1958: FRAGMENTO)

 

Volúmenes geométricos, propios del vocabulario arquitectónico (cilindros, paralelepípedos), de pie, se desplazan por el escenario (movidos desde el interior): se acercan, se retiran, componen figuras, siempre transitorias,  como bloques que se confundieran con sus ocupantes, revelando que la velocidad que ya azotaba la ciudad moderna al final de los años 50, en Brasil, al menos, se contagiaba y acababa por poner en danza los emblemas de la estabilidad y el arraigo: la propia arquitectura. 

El arte abstracto puesto en escena, capaz de evocar lo que más se opone a la inmutabilidad de los volúmenes geométricos: la transitoriedad, y la evidente sensación que todos los entes que pueblan y constituyen nuestro mundo están de paso. Nada perdurable cuenta. Un mundo en constante evolución. 

La obre cumbre de la artista brasileña Lygia Pape, junto con el libro de artista citado en un texto inmediatamente anterior.

Pedro Azara & Marieta Cavero, Barcelona: otros relatos arquitectónicos (Barcelona y Madrid: Factoría Cultural Martínez, 2025)

"Frente a la ciudad planificada, tramada en el llano del Ensanche, caracterizada por la implantación de una cuadrícula que prescinde de los obstáculos naturales, como si descendiera del cielo y “urbanizara” o domesticara la realidad, el texto enfoca la ciudad que ha crecido, por las colinas, lejos del llano, a golpe de necesidad. Una ciudad no proyectada, autoconstruida allí donde no se podía construir, en terrenos que no pueden ofrecer una base sólida a una construcción imperecedera. Aún se recuerda la explosión de los gases y el derrumbe del vertedero de Montjuic. Las basuras sepultaron las chabolas de Can Clos, levantadas al pie del basurero, poco antes de la navidad de 1971. O, más recientemente, el hundimiento de una parte del barrio del monte Carmelo, cuyas casas de fortuna, levantadas de un día para otro, carecían de fundamentos -en el doble sentido de la palabra.

El texto, en suma, describe o descubre una ciudad extendida por las colinas; imprevisible, desconcertante, unos barrios que nunca responden a lo que se espera, y que solo se reconocen, y a veces se entienden, a medida que se recorren, físicamente y en el recuerdo.

“Solo montaña arriba, cerca ya del

castillo,

de sus fosos quemados por los

fusilamientos,

dan señales de vida los murcianos.

Y yo subo despacio por las escalinatas

sintiéndome observado, tropezando en

las piedras

en donde las higueras agarran sus

raíces….”

(Jaime Gil de Biedma: “Barcelona ja no es bona”, Las personas del verbo)"

(Fragmento de: "Memorias de una ciudad en las montañas, Barcelona")

https://factoriaculturalmartinez.com/producto/barcelona-otros-relatos-arquitectonicos/

Nota de la editorial:

Barcelona: otros relatos arquitectónicos de Pedro Azara y Marieta Cavero es el tercer libro de nuestra colección Apuntes culturales para un viaje. Como no podía ser de otra manera cuando se habla de Barcelona ha quedado muy bonito,entra por los ojos, como la ciudad, nada más verlo me he acordado de la mítica campaña, Barcelona posa’t guapa y de una canción que cantaba mi padre cuando era novio de mi  madre (ella vivía en Barcelona, él  en Bilbao) «Que bonita es Barcelona»  https://www.youtube.com/watch?v=AOm2TgQpgXw   Pero además de bonito es de contenido magnífico. Es necesario avisar que no es es una guía por Barcelona, es un redescubrimiento, otra mirada, otra visión, para los que conocemos la ciudad te sorprende porque es como visitarla de nuevo. Tal y como escribe el periodista y crítico de arquitectura Llàtzer Moix en el prólogo «Lo que se han propuesto Pedro azara y Marieta Cavero, cada uno a su partcular manera es invitarnos a descubrir pliegues ocultos de la ciudad, tanto de las que suele quedar al margen de las rutas usuales como de la que está teóricamente sometida a un escrutinio constante». Son dos miradas que recorren lugares insólitos o, al menos, insólita es su manera decontarla, de verla, de redescubrirla, que hace que estos dos paseos te descubran dos ciudades con sus arquitecturas peculiares, su intrahistoriay su lugar en la trama de la ciudad. El libro, como los anteriores,  está ilustrado por los dibujos de Marcos Isamat que aporta, además de elegancia y sutileza, una tercera mirada, la del artista que se fija en detalles, en esos pliegues ocultos de los que habla  Moix en su prólogo. Os dejo alguno de ellos. Bienvenidos a otro viaje diferente.

PRESENTACIÓN:

Lunes 15 de diciembre de 2025: 

Factoría Cultural Martínez (puerta azul)

Calle Martínez De la Rosa 58

Barcelona 

Con concierto de rumba catalana (originaria del barrio de Gracia en el que se ubica la Factoría 

 

LYGIA PAPE (1927-2004): LIVRO DA ARQUITETURA (EL LIBRO SOBRE ARQUITECTURA, 1959-1960)

 

No, cuando estudié arquitectura en la segunda mitad de los años setenta y principios de los ochenta del siglo pasado, tras la muerte del dictador Francisco Franco, y, mucho peor, cuando empecé a dar clases de estética y posteriormente de teoría en la escuela de Arquitectura de Barcelona, ningún profesor me habló de este libro y, sobre todo, yo no mostré ni comenté este libro a los estudiantes de arquitectura, porque nadie me lo había mostrado, porque lo desconocía.

El libro de arquitectura de la artista brasileña Lygia Page sustituye las farragosas teorías deconstructivistas con un libro con recortables, en tres dimensiones, que cuentan una historia de la arquitectura desde la prehistoria hasta el siglo veinte, desde las primeras trazas hasta los rizos modernos. Entre el libro de arte o de artista y el libro infantil, cada página muestra un espacio definido, creado por los pliegues (tan queridos por los filósofos antes mencionados, y los arquitectos que los seguían pavlovamente), como de las rasgaduras del suelo emergiera un cráter que constituyera un cerco que delimitara un interior. Todos los espacios que se abren en el libro no se cierran en banda, sino que miran al exterior no sin estar constituidos por unos planos en ángulo que constituyen un refugio aunque no un encierro. Espacios aéreos aunque -porque- aferrados a la tierra, a la página en blanco.

Una escuela exposición antológica dedicada a la artista en una fundación de París, rescata este libro que hubiera constituido un soplo de aire fresco en los estudios de arquitectura.

https://www.pinaultcollection.com/en/boursedecommerce/lygia-pape-weaving-space

JUNYA ISHIGAMI (1974): CAPILLA DEL VALLE (2016)

 Fotos: Tocho,  diciembre de 2025

La apertura de la nueva y descomunal sede de la fundación Cartier, justo en frente del Museo del Louvre, en París, se acompaña de una extensa exposición de lkos fondos de la colección de la fundación. Dado que la remodelación de un bloque haussmaniano, en la calle de Rivoli, ha contado con el arquitecto de la fundación, Jean Nouvel, la exposición se abre con una selección de maquetas de arquitectura, de tamaño casi natural.

La Capilla del Valle, del arquitecto japonés Ishigami (docente en la escuela de arquitectura de Mendrisio, en Suiza), presenta un juego curioso entre la realidad y la ficción.

Por su tamaño casi podría ser un edificio.

La obra juega con la ambigüedad entre una maqueta arquitectónica, un edificio  (un templo en una región montañosa en China) y una escultura. Cuesta saber qué es. ¿Tiene que percibirse como una imagen de un edificio, o es, "en sí", una obra independiente, autónoma. La Capilla "real" justifica su forma por su relación con el entorno, que le da sentido. Esta referencia o relacion desaparece en este caso -como ocurre casi siempre con las maquetas, a menudo transportables, que se convierten en ofrendas u objetos devocionales. 

La referencia a la escultura de Richard Serra aún complica más saber a qué atenerse.

su imponente presencia, con una altura de varios metros, subyuga. Y pone en cuestion la frontera entre la arquitectura y la estatuaria. 

https://www.fondationcartier.com/en/programme/exhibition/junya-ishigami-freeing-architecture

MARCEL L’ HERBIER (1888-1979): L´Inhumaine (La Inhumana, 1924)

 

 ¿Puede una película con la presencia de extras como Pablo Picasso, James Joyce, Ezra Pound, Erik Satie, Man Ray -el canon de la vanguardia artística, poética, musical y pictórica, occidental-, y el trabajo del arquitecto Robert Mallet-Stevens y del pintor Fernand Léger (decorados), el modisto de alta costura Paul Poiret (vestuario), el compositor Darius Milhaud, el mobiliario del padre del art deco, Paul Chareau, decoraciones de René Lalique, y coreografías del sucesor de Nijinsky y gran rival de los Ballet Rusos, Jean Börlin y los Ballets Suecos, ser tachada de ridícula e involuntariamente cómica?

Esta extraña versión de Frankestein lo es, en efecto. La interpretación de elenco acentua la extrañeza de la película.

Creada para la inauguración de la Exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales Modernas, de Paris, de 1925 -aunque ideada trece años antes-, que lanzó lo que, en 1966, se denominó definitivamente art déco -hasta entonces, estilo moderno (modern style)-, La inhumana  es una película de ciencia ficción, cuyo tema y cuya formalización abrió la vía a la experimentación cinematográfica, y hoy es considerada un clásico de la vanguardia (una expresión que es un contrasentido, un oximorón). La reciente película Frankestein, del cineasta Guillermo del Toro,  no se ha olvidado de la Inhumana.

La partitura de Milhaud, por desgracia, se ha perdido.

La película se estrenó en varias ciudades mundiales, entre éstas, Barcelona.

La gran exposición sobre el art déco que el Museo de Artes Decorativas de Paris presenta hoy, con colas y entradas vendidas con semanas de antelación, ha devuelto a la palestra este extraño manifiesto del diseño moderno, del que se proyectan fragmentos, con sus luces y sus sombras, su inventiva y sus limitaciones, y pone aún más en evidencia instituciones en Barcelona que han renunciado a presentar extensas muestras dedicadas al art déco.  

https://madparis.fr/1925-2025-Cent-ans-d-Art-deco