La Edad de Hierro

"¡Oh, si no viviera yo en esta quinta generación de hombres, o más bien, si hubiera muerto antes o nacido después! Porque ahora es la Edad de Hierro. Los hombres no cesarán de estar abrumados de trabajos y de miserias durante el día, ni de ser corrompidos durante la noche, y los Dioses les prodigarán amargas inquietudes. Entretanto, los bienes se mezclarán con los males. Pero Zeus [el padre de los dioses] destruirá también esta generación de hombres cuando se les tornen blancos los cabellos. No será el padre semejante al hijo, ni el hijo al padre, ni el huésped al huésped, ni el amigo al amigo, y el hermano no será amado por su hermano como antes. Los padres viejos serán despreciados por sus hijos impíos, que les dirigirán palabras injuriosas, sin temer los ojos de los Dioses. Llenos de violencia, no restituirán a sus viejos padres el precio de los cuidados que de ellos recibieron. El uno saqueará la ciudad del otro. No habrá ninguna piedad, ninguna justicia, ni buenas acciones, sino que se respetará al hombre violento e inicuo. Ni equidad, ni pudor. El malo ultrajará al mejor con palabras engañosas, y perjurará. El detestable Zelo [personificación de la discordia], que se regocija de los males, perseguirá a todos los míseros hombres. Entonces, volando de la anchurosa tierra hacia el Olimpo, y abandonando a los hombres, Edo [diosa del respeto] y Némesis [personificación de la justicia y la equidad], vestidas con trajes blancos, se reunirán con la raza de los Inmortales. Y los dolores se quedarán entre los mortales, y ya no habrá remedio para sus males."

(Hesíodo: Los trabajos y los días, s. VII aC) 

GRIGORI KOZINTEV (1905 -1973) & LEONID TRAUBERG (1902-1990): LA NUEVA BABILONIA (Новый Вавилон, NOVYY VAVILON, 1929) - GRIGORI KOZINTEV & IOSIF SHAPIRO (1907-1989): HAMLET (1964)

Una película soviética -un clásico del cine, quizá menos conocido- sobre el inmisericorde asedio alemán de París, tras la derrota imperial francesa ante el ejército prusiano, en 1870, y la revuelta en la ciudad, con la creación de un gobierno llamado La Comuna, una guerra civil en la capital francesa, en 1871.

El cineasta Grigori Kozintev, marcado por el futurismo y el arte dadá, amigo de Eisenstein, nació en Kyiv (Kiev);  era ucraniano. Desarrolló su carrera en Leningrado (ayer y hoy San Petersburgo).

Quizá hoy esta película resuene de un modo particularmente trágico.

PS: La Nueva Babilonia (Novyy Vavilon) no es el nombre metafórico de Paris, como sí lo fue el de Nueva York a mediados de los años veinte del siglo pasado, sino el nombre de una tienda en la que trabaja una de las protagonistas, pero es obvio que Babilonia, en este caso, como en tantos otros, es una alegoría de una ciudad corrupta y decadente -cuya inmoralidad, y el abandono de los dioses, llevó a que fuera castigada con el asedio, que llevó a una revuelta que quiso ser liberadora.

La banda sonora es del compositor ruso Dimitro Shostakóvitch:

Grigori Kozintev, junto con el director de cine bieloruso Iosif Shapiro, dirigió una celebrada versión  cinematográfica de la tragedia de Shakespeare, Hamlet, en 1964, sobre la sombra de un tirano, la traición y las mentiras.

Dimitri Shostakóvitch volvió a componer la banda sonora.

Rosalía en el Reina Sofía, 2022

La exposición antológica del artista Pedro G. Romero, en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, característica del Centro, se ilumina y se aclara con la filmación de una interpretación de la cantante Rosalía.

https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/pedro-g-romero

 
 

Una historia sin arte: Museo Reina Sofía, Madrid, 2022

 La colección permanente del Reina Sofía ya no se presenta cronológicamente y por estilos artísticos, sino por temas principalmente políticos y sociales, partiendo del presupuesto que el arte es un registro o un activador de lo que acontece en su entorno.

Esta nueva presentación  ha permitido rescatar obras y artistas fascinantes o curiosos, y poner el acento en algunos aspectos de la historia del arte, en este caso, como el papel de determinadas revistas.

Ángeles Santos: autorretrato, 1926

Delhy Tejero: Mis brujas, 1930

Sin embargo, la historia del arte moderno que cuenta no siempre casa con la colección. Necesitada de ilustraciones, se recurren a copias, facsímiles, impresiones modernas y hasta una réplica de una obra, como si se tratara de una fábrica de duplicados. El interés de la exposición decae, pues la experiencia se aproxima a la de la lectura de un libro ilustrado en condiciones deficientes.

No todas las “ilustraciones” son meros duplicados y copias. También se recurren a obras de arte. Pero éstas se reducen a ilustrar tesis. Sin dependientes de ésta. Lejos de generar interpretaciones, validan lecturas que no las necesitan para ser tenidas en cuenta.

Las obras de un mismo artista tejen relaciones entre sí. Se relacionan, responden o se oponen entre sí. También crean ligámenes con obras de otros artistas. Se integran en árboles de familia. A menudo las obras son interpretaciones de otras obras; las obras se inspiran o se niegan, pero suelen tenerse en cuenta, retarse; se admiran, se crecen ante obras o se sienten empequeñecidas. Las grandes familias de obras alimentan éstas -o las rechazan, obligando a existencias calladas.

Todo este tejido se pierde en la nueva presentación. Las obras de un mismo artista aparecen aquí y acullá en función de las necesidades ilustrativas del guión, un guión aplacado sobre las obras forzándolas a de ir cosas que posiblemente no tenían en mente contar, que nunca hubieran pensado ser forzadas a cobrar. 

¿Un ejemplo?

Un óleo de Iturrino es una casi demasiada reverencia de la influencia de Matisse, lo que revela el impacto de este artista. Éstas sorprendentes conexiones entre estos dos artistas, que merecerían ser exploradas, se pierden en favor de una historia de la españa negra de la generación del 98, que ilustra la pintura de Iturrino.

La mezcla de cine, pintura, carteles, libros, impresos, puede ser atractiva, esclarecedora, salvo cuando el sonido de la filmación, que se repite a todas horas, obliga a pasar de largo ante pinturas que requerirían silencio para ser apreciadas.

El guión, en suma, trata las obras como comparsas de un guión que avanza y retrocede, y al que la ubicación en las distintas plantas del museo obligando a un circuito laberíntico no ayuda, sin que se desprenda ninguna idea clara sobre lo que se ve y porque se muestra, en una historia fragmentaria de la que el arte queda a menudo excluido , y que bien podría explicarse sin él, ya que la relación entre las obras y el discurso es u obscura o contraproducente ( para el disfrute y comprensión de la tela de araña que las obras crean entre sí, y que ha quedado desarbolada en una presentación incomprensible, innecesaria y muy confusa -pese ( o debido a) la impresionante documentación realizada-, aunque exquisitamente presentada .

BRUNO MUNARI ( 1907-1998): HABITÁCULO (1971)

 

 

La exposición del año sin duda está en este momento en Madrid: la nuestra antológica dedicada al diseñador, escultor, pintor, escritos de cuentos infantiles e inventor italiano Bruno Munari.

Una dosis de optimismo, humanidad, generosidad, inventiva y humor en estos tiempos sombríos que parecen sacar lo peor de nosotros.

Muebles sencillos y económicos, atractivos, agradables, útiles e innovadores, lámparas, anuncios, juegos, cuentos, tipografías, esculturas, pinturas, dibujos, juegos, todo lo que pudiera contribuir a la mejora, a la expansión y comodidad de la vida, con el menor coste posible, siempre sorprendente, descubriendo, como explica la arquitecta Montserrat Domínguez, las múltiples caras de los objetos, desvelando que pueden ser lo que no parecen, y pueden servirnos sin rebajarse ni ser meros utilitarios, fueron las aportaciones de Munari. Una cama es mucho más que un lecho: es un mundo que cada uno puede hacer suyo, permitiéndonos descubrir aspectos de nosotros que desconocíamos, convirtiendo un mueble funcional en un terreno de juego siempre cambiante, por explorar. Un Habitáculo”, que no una casa: un espacio habitable, hecho a medida de nuestros hábitos, un haber nuestro que evoluciona con nosotros, que nos invita y permite evolucionar; una construcción que transita, que se hace y se deshace, se levanta y se desmonta, como nosotros, al ritmo de nuestros sentimientos, sensaciones y humor, un espacio en el que encontrarse a gusto, viviendo sin pensarlo, como si todo estuviera por hacer, y las posibilidades de jugar con el entorno, inagotables.

Una exposición excepcional, muy bien montada, rechazada por instituciones públicas de Barcelona, pero también por el Museo Vitra en Suiza o el Museo del Diseño de Londres, quizá porque la ligereza (que no la liviandad) ya no son de recibo. Hoy imperan los cañonazos. El juego se ha extinguido.

https://www.march.es/es/exposiciones/bruno-munari

MANUEL ÁNGELES ORTIZ ( 1895-1984): MUCHACHO SENTADO, 1926 (O: LA MEJOR OBRA EN ARCO 2022)

 

Muchacho sentado (1926-1927), del pintor español menos conocido, Manuel Ángeles Ortiz ( sorprendentemente bien representado en la feria de arte ARCO de Madrid este año, cuando era un pintor -irregular- casi olvidado, amigo de Garcia Lorca, Buñuel y Picasso, exiliado tras la guerra civil), no solo es el mejor cuadro en la feria, sino que parece anticiparse bien a la sombría historia española y mundial diez años más tarde, y, ochenta y seis años más tarde….

LUCA DI GIORGI: ANNA HERINGER, WHAT IS ARCHITECTURE? (2020)

La actual exposición dedicada a la arquitecta alemana Anna Heringer (1977) -conocida por sus construcciones de tierra (y bambú), casi siempre obras públicas, en diversos países de Extremo Oriente, África y Europa, con la participación de los usuarios, y técnicas tradicionales-, la fundación ICO en Madrid, incluye esta breve entrevista que forma parte de una serie, iniciada en 2012, titulada What is architecture?, con la participación de numerosos arquitectos.

https://www.fundacionico.es/exposiciones/anna-heringer-la-belleza-esencial

http://lucadegiorgi.com/what-is-architecture/

No olvidemos que el arquitecto, pedagogo y director de teatro español, Jorge Raedo, inició un proyecto parecido años antes, aunque específicamente dirigido a los niños: https://www.fronterad.com/que-es-arquitectura/

 

(Lo más destacado de) ARCO

 

Fotos: Tocho, febrero de 2022

No sé si tiene mucho sentido publicar fotos de una feria de arte contemporáneo después de que los crédulos nos hubieran creído el arte amansa a las fieras, y desactiva guerras….

Pablo, arquitecto

El Nuevo Testamento es uno de los textos antiguos con más metáforas arquitectónicas. El profeta, hijo del Gran Arquitecto del universo, es a su vez un arquitecto que construye y dirige una comunidad presentada como una iglesia (ecclesia, en griego, significa precisamente asamblea), y cada miembro en un sillar, siendo el profeta la piedra fundacional o la piedra angular que asienta o corona la obra, sólidamente asentada y levantada gracias a los sólidos cimientos y la perfecta grabación de las partes.

 "10 Según la gracia que Dios me ha dado, yo puse los cimientos como lo hace un buen arquitecto, y otro edifica encima. Que cada cual se fije bien de qué manera construye. 11 El fundamento ya está puesto y nadie puede poner otro, porque el fundamento es Jesucristo. 12 Sobre él se puede edificar con oro, plata, piedras preciosas, madera, pasto o paja: 13 la obra de cada uno aparecerá tal como es, porque el día del Juicio, que se revelará por medio del fuego, la pondrá de manifiesto; y el fuego probará la calidad de la obra de cada uno. 14 Si la obra construida sobre el fundamento resiste la prueba, el que la hizo recibirá la recompensa; 15 si la obra es consumida, se perderá. Sin embargo, su autor se salvará, como quien se libra del fuego.

16 ¿No saben que ustedes son templo de Dios y que el Espíritu de Dios habita en ustedes? 17 Si alguno destruye el templo de Dios, Dios lo destruirá a él. Porque el templo de Dios es sagrado, y ustedes son ese templo."

(Pablo, Primera Epístola a los Corintios, 3, 10-17)

No iba a ser Pedro el único arquitecto primigenio....

DAN GRAHAM (1942-2022): EL DESCONCIERTO - ROCK MY RELIGION (CONCIERTO, 1983- 1984) & HOMES FOR AMERICA (1965-2010) & LABYRINTHS (1980 - 2022)

 

HOMES FOR AMERICA

                                                                        LABERINTOS

Rock My Religion from Diogo Tirado on Vimeo.

Cuando el arte contemporáneo incorpora a su colección, obras de arquitectura. caso siempre recurre no a arquitectos sino a artistas plásticos o a escritores que han producido proyectos arquitectos, casi siempre utópicos, o que han escrito sobre arquitectura: Guy Debord (y los Situacionistas, en los años cincuenta del siglo pasado), Constant (y su proyecto New Babylon, de los años sesenta y setenta), Gordon Matta-Clark (un arquitecto, en este caso, célebre por sus cortes efectuados con sierra eléctrica en edificios de madera arruinados y a punto de ser derribados, en los años setenta) y Dan Graham (con su serie fotográfica Casas para América, en los años sesenta, y sus laberintos de vidrio y espejos, construidos en este caso, desde los años ochenta). Han constituido y constituyen la contribución  de la arquitectura contemporánea que los teóricos del arte contemporáneo aceptan.

Las tres series de obras de Dan Graham más conocidas constituyen una insólita reflexión o exposición de la pérdida de referentes en la sociedad moderna, y de la pérdida que esto ocasiona. Homes for America, una serie fotográfica, presentada como unos artículos de prensa, se llevó a cabo en un solo estado de los Estados Unidos: filas interminables, perfectamente ordenadas, de casas todas iguales, cubicas, desprovistas de cualquier elemento significativo, que recuerdan tanto el arte minimalista, del que parecen una caricatura, como la pobreza, la falta de ingenio o imaginación, y la despersonalización de la arquitectura moderna que, por un lado, pretende evocar las casas rurales de otro tiempo, como si rehuyeran la vida en la ciudad, y por otro, lo peor de las tramas urbanas que lejos de ordenar el espacio, causan desconcierto por la imposibilidad, en medio de un entorno idéntico en todas las direcciones, de orientarse.

Este carácter laberíntico de estos barrios, en el que es tan fácil perderse, se ejemplifica en los laberintos que Dan Graham ha construido de manera reiterada hasta casi sus últimos días, laberintos de vidrio y espejos que escapan a los laberintos de espejos de las ferias de atracciones por el uso predominante del vidrio; construcciones que casi no se ven, pero que cortan el paso, que despiertan la ilusión de poder ser atravesadas hasta que uno de da de bruces con un muro invisible, dando la sensación a sus visitantes que pueden comunicar pero que no pueden dialogar, solo gesticular vana e incomprensiblemente.

Esta falta de referencias ultramundanas finalmente se explicita en el célebre documental Sacude mi religión (Rock my Religion), que muestra que los conciertos de rock (¿hoy de rap o regueton?), que invitan a la comunión entre los espectadores y con los intérpretes, y al abandono y la pérdida de sí, son la sustitución profana de las grandes comuniones extáticas cuando los rituales del pasado, en los que fieles y ceremoniantes abandonan su individualidad en pos de una fusión con lo que sienten les rebasa.

Dan Graham se esfumó hace unos pocos días.