LAWRENCE ABU HAMDAN (1985): LOS NOVENTA Y NUEVE NOMBRES DE ALÁ A TUS PIES (2016)

Fotos: Tocho, Líbano, febrero de 2019


El artista libanés, formado en el Reino Unido, Lawrence Abu Hamdan, es uno de los cuatro ganadores de la última convocatoria del Premio Turner de Arte Contemporáneo que el Museo Tate Britain de Londres otorga anualmente.
Músico, trabaja con sonidos callejeros, y compone obras que permiten intuir determinadas situaciones -conflictivas o no- a través de sonidos -captados en ocasiones a través de muros, y analizados por especialistas policiales.

Entre sus obras destaca una pieza sorprendente: una tupida moqueta para una nueva mezquita, Amir Shakib Arslan (2016), de FELF Architects, en el Líbano.
Dicha moqueta presenta un motivo anicónico, "abstracto": líneas zigzagueantes blancas sobre un fondo azul, que se asemejan a transcripciones de pulsaciones. La asociación no es gratuita ni inconsecuente. El artista grabó una lectura del Corán y plasmó el gráfico sonoro en un plano. Modificó algo la secuencia. Borró la frecuencia que correspondía a la lectura de la palabra Alá.
De este modo, nadie podría pisar a la divinidad (Dios "es" el Verbo, la palabra que lo designa), al mismo tiempo que anulada cualquier referencia verbal a la divinidad.
Ésta posee noventa y nueve nombres, conocidos, y uno último, el número cien, desconocido por los mortales; la enunciación de los noventa y nueve nombres de los atributos de la divinidad abre las puertas del paraíso del que la mezquita es la antesala.

La obra, sugerente, manifiesta, una vez más, la difícil relación entre la arquitectura y el arte contemporáneo, no sujeto a nada: la alfombra reduce visualmente el espacio de la mezquita y acapara todas las miradas, anulando el complejo juego espacial. La vista no se despega del suelo (aunque es cierto que en la oración musulmana el fiel baja la mirada cuando se arrodilla y se prosterna). Parece una obra en el lugar equivocado.

Arquitectura religiosa contemporánea

Una frase que resumía un largo artículo sobre arquitectura religiosa contemporánea, publicada ayer en un diario de tirada nacional española, ha dado lugar a un intercambio de opiniones:


X: Creo que el autor del texto no ha acertado. La afirmación es errónea

Y: ¿Por qué?

X: Es erróneo escribir que, a partir de ahora, las iglesias "sólo" pueden ser ascéticas y además consensuadas a partir de la participación de los usuarios. Eso es un error incomprensible.
Si alguna tipología es aún válida, y deseable la autoría y la desmesura, es precisamente en las tipologías arquitectónicas relacionadas con el culto religioso.
Ya sea católico, islámico o sintoísta.

[Nota: el artículo, pese a estudiar las causas formales y finales de la arquitectura religiosa contemporánea, se centra solo en templos cristianos, obviando, por ejemplo, la existencia de mezquitas (foto 2: mezquita en Teherán) que se apartan de las formas tradicionalmente asumidas y, a menudo, impuestas. Así el proyecto de la mezquita del Viernes Santo, del arquitecto jordano Rasem Badram, en Bagdad, nunca construida, es un buen ejemplo, como la reciente mezquita libanesa de Amir Shakib Arslan, del estudio de arquitectura L.E.FT]

Y: En efecto; la capilla del artista contemporáneo inglés Grayson Perry, Premio Turner, en el condado inglés de Essex -Dream House (foto 4), un templo profano, dedicado a una santa imaginaria del siglo XX,  basado en capillas de peregrinaje y en iglesias eslavas- , es un ejemplo de sobreabundancia decorativa actual (el templo está enteramente recubierto de azulejos con distintos motivos geométricos y colores).
La reluciente catedral ortodoxa de la Santa Trinidad (foto 3), del arquitecto Willmote, recientemente inaugurada en París, no se desmarca del templo profano de Perry.
Las iglesias (los templos) no son fruto del consenso, sino que son actos de fe, de confianza o de entrega -ciega o a sabiendas-, no de negociación. No se negocia con la divinidad, ni con el resto de los fieles (que no usuarios): no existirían comunidades religiosas, iglesias, en sentido literal, ya que éstas depositan su confianza, se entregan absolutamente, sin cálculos ni reticencias, sin dudas ni inquietudes, a una o a varias divinidades. La arquitectura religiosa no se distingue de los fieles. Un templo vacío no tiene sentido. No existe, al menos en las religiones monoteístas para las que el templo no es la morada de la divinidad sino un lugar de encuentro entre mortales e inmorales.

X: El templo del Santo Redentor, en la Laguna (Tenerife), de Fernando Menis [origen del artículo comentado, foto 1],  es todo lo contrario a ascético.
Es complejo, aleatorio y diverso en texturas y formas.

KIERAN DONNELLAN (1984) & ESTUDIANTES: CAPILLA (SIDÓN -LÍBANO-, 2018)

Fotos: Tocho, enero de 2019

Una estrecha, pequeña, capilla construida con planchas de madera endurecida e impermeabilizada por el fuego, quemadas, ubicada en un acantilado, como una roca negra de afilados cantos, en un extremo del yacimiento fenicio de Sidón (Líbano), cuya pendiente repite el techo de la construcción. Apenas cabe una persona. Comprende tan solo una bañera de madera individual desde la cual, sentado, acurrucado y solo, se percibe el horizonte y el sol que el mar devuelve, a través de una obertura que recorre la estrecha fachada vertida al mar.
La capilla oscila entre el refugio y el sarcófago -una última casa inundada de luz. Desde lejos, la puerta de acceso y la ventana opuesta se unen en un rectángulo de luz. Alrededor, un árbol convulso, y las hierbas altas que el viento agita.
Sin duda una obra maestra de la arquitectura religiosa -"aconfesional", o de cualquier religión- del siglo XXI.

TUTTO PONTI. JEAN-MICHEL WILMOTTE (1948): GIO PONTI (1893-1979) EN EL MUSEO DE LAS ARTES DECORATIVAS DE PARÍS (OCTUBRE 2018-MAYO 2019)

Fotos: Tocho & Tiziano Schürch

El MAD (Museo de artes Decorativas) de París presenta una exposición antológica dedicada al arquitecto, decorador y diseñador italiano Gio Pontí, "escenografiada" por el arquitecto francés Jean-Michel Wilmotte.
La muestra, exhaustiva sobre el suntuoso trabajo artesano de Ponti (platería, vidrio, cerámica), desde la Exposición de las artes Decorativas de París en 1925 hasta los años setenta del siglo pasado, aunque, más pobre, sin embargo, sobre sus obras arquitectónicas (la Torre Pirelli -1956-1960- de Milán, o uno de sus últimos proyectos, la sorprendente catedral de Taranto, de 1964-1970), se abre, precisamente tras una celosía descomunal que reproduce un fragmento de la fachada de dicha catedral singular, tras la cual, dos largas naves blancas, separadas por tramos de altos muros de perfiles irregulares sobre los que se proyectan, a diferentes alturas, fragmentos de películas filmadas en interiores de Ponti, y se muestran grandes fotografías de anuncios de sus creaciones, y a las que se adosan, a lado y lado, estancias oscuras, a modo de capillas, dedicadas a sus trabajos de diseñador y de decorador, exponen sobre todo conjuntos de muebles recogidos entre esquinas.
La exposición, centrada más en los primeros trabajos del arquitecto, ofrece la imagen de un arquitecto entre exquisito y algo kitsch -voluntariamente o no-, muy marcado por el Art Deco, e inmerso en el mundo cultural del periodo de entre-guerras italiano, colaborando con -o dando trabajo a- pintores como de Chirico, y arquitectos como Scarpa, la imagen de un creador generoso y de otra época, que, según los arquitectos Victoria Garriga y Tiziano Schürch, diseño la silla más hermosa del siglo XX: la llamada Superligera, basada en un modelo tradicional del sur de Italia, y que sigue en producción.