FRANÇOISE HARDY (1944-2024) & ALAIN DELON (1935-2024): MODERN STYLE (2006)

 In memoriam, por partida doble 

Un pongo....

 

Compra de obra de arte más reciente de la fundación La Caixa.

La artista, una ascendente luminaria de Nueva York, declara: 

“I want people to be real with art, to be conscious and present with the object in order to experience it.”

(Declaración extraída de Wikipedia)

La obra se titula Kouros: es decir, efebo desnudo  griego.

Y el subtítulo, Bajando las escalera, debe de ser , como no podía ser otro, un guiño a Duchamp.

Hum....

JUDIT RIEGL (1923-2020): "COLLAGES", 1953-1954

 

Si el surrealismo nace del "encuentro fortuito sobre una mesa de disección de una máquina de coser y de un paraguas", según la definición de la belleza moderna de Isidore Ducasse (que se llamó a sí mismo Conde de Lautréamont, 1846-1870), el "collage" es el lenguaje o la técnica por excelencia del surrealismo. 

En un mismo plano o mesa, se encuentran imágenes recortadas -el "collage" es una técnica quirúrgica, y violenta o lacerante, se practica con un útil cortante, que deja una herida permanente- de objetos procedentes, extraídos, arrancados o desgajados de ámbitos o mundos conocidos por separado, distintos, inconexos, que nada hacia presagiar que se encontrarían, casualmente, entre los límites de un plano, para dar nacimiento a un ente, un ser o una escena que solo existe -y cobra sentido, aunque enigmático- en dicha "pegada". Un collage yuxtapone, encaja y somete imágenes de cosas que nunca se habrían encontrado, pero que juntas parecen contar historias indecibles, desconocidas aunque no "insignificantes".

La pintura húngara Judit Riegl, fallecida anteayer, huida a París en 1950, tras varias tentativas, para evitar someterse al realismo socialista y pintar una y otra vez imágenes predecibles de Stalín, lectora del Conde de Lautréamont, es conocida sobre todo por sus cuadros informalistas. 

Menos conocida es su tardía aportación al Surrealismo, que llamó la atención del poeta André Breton y la introdujo en el cenáculo parisino de los Surrealistas: unos "collages" misteriosos que parecen desvelar un horror que nadie quería ver.  Un "collage" con una serpiente, atenazada por el pico de una ave de presa, en medio de una calle desértica, se titula Saigon.

Arte y parte

Se echa a un director, profesor universitario, que ha conseguido restablecer la confianza en un museo, con una gestión modélica, y una política de compras y exposiciones impolutas, logrando que el público volviera, tras diez años de corrupción.

Se convoca un concurso internacional.

Se presentan dos candidatos. Uno incumple las bases que piden, por ejemplo, tener algo más que el bachillerato  (no se piden máster ni doctorado).

Gana el único concursante que cumple las bases, el único entre uno.

Tiene más méritos que los pedidos. Goza de la amistad y el apoyo del consejero que echó al anterior director y lanzó el concurso y de dos miembros decisivos del jurado, con uno de los cuáles incluso ha trabajado.

Por fin vuelven, sin disimulo ni prejuicios, los entrañables buenos tiempos anteriores a 1975.

YUNG BEEF (FERNANDO GÁLVEZ GÓMEZ, 1990). LA CALLE SIGUE (2020)

THOMAS HOUSEAGO (1972): LA CASA DE LA LUNA ("MOUN" HOUSE, 2014)

Una gran exposición de arte contemporáneo, en una de las sedes de la fundación Palazzo Grassi, en Venecia, dirigida por el escultor inglés, afincado en Los Ángeles, Thomas Houseago, permite recordar su obra principal, The Moun House (un juego de palabras entre Moon, luna, y Mun, el nombre de su actual pareja), hasta finales de año.

Los muros de esta obra descomunal, una casa constituida como un laberinto, o un juego de muñecas rusas, casas dentro de casa, realizada  con paneles de madera y yeso, comprenden innumerables óculos que recuerdan las fases de la luna, y que permiten sortear la diferencia entre el interior y el exterior. Óculos que son lunas, inaccesibles, puertas y ventanas, también, por los que es fácil, como en un juego, cruzarlas, adentrándose en espacios que parecen conducir hacia una cámara secreta donde moraría quien sabe qué monstruo.

VIRGIL VERNIER (1976): ANDORRE (ANDORRA, 2013)

Sobre este cineasta y documentalista francés, véase por ejemplo, esta página web

Arte actual (Art & Tweet)

Descripción del contenido de las nuevas salas del Museo de Arte Moderno. Centro Reina Sofía de Madrid  dedicadas a obras recientes de la colección permanente:

“ “Empezaremos en los años noventa, con el consenso forzado del neoliberalismo, la globalización y su cuestionamiento. Habrá lugar para los movimientos altermundialistas, la crisis del 2008, el 15-M e incluso la pandemia. Se subrayará la importancia del ecofeminismo, la descolonización, el precariado, lo performativo y la búsqueda de nuevos vocabularios. Y todo ello, con la puesta en escena de los formatos artísticos más actuales, para los que estas salas son perfectas”, explica Borja-Villel”.

El arte, al menos desde el Renacimiento en Europa, solía ofrecer una visión reposada, meditada sobre el mundo, una mirada sobre lo que pasó que alumbraba lo que pasaba, lo que estaba pasando. El arte ofrecía detenimiento (y no solo entretenimiento para soportar el paso del tiempo o hacer olvidar que éste pasaba), detenía el tiempo -para poder reconsiderarlo.

Hoy, por lo que parece, el arte se confunde con la crónica, con la exclamación, con la reacción instantánea , automática, por lo que su interés y su validez duran  lo que dura un exabrupto. Y poco puede aportar a la reflexión sobre lo que nos ocurre, curiosamente, poco aporta a la comprensión del presente.

IVAM a por todas

CRISIS EN EL MUSEO VALENCIANO

Dimite todo el consejo asesor del IVAM

Se justifica a causa de la decisión de la Consejería de no renovar el contrato de José Miguel García Cortés y convocar un nuevo concurso público por la nueva ley del museo

SALVADOR ENGUIX

 01/06/2020 10:46 | Actualizado a 01/06/2020 11:09

La crisis ha vuelto a instalarse en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM. El museo valenciano estuvo sumido en la desorientación durante los años del PP; y ahora, tras unos años de calma y con adecuada programación, vuelve a ser noticia, mala noticia. Hoy, el consejo asesor del IVAM ha comunicado por carta a la consejería de Educación y Cultura que dimite en bloque. La causa que aluden es la decisión de no renovar automáticamente el contrato del actual director, José Miquel García. Al respecto, consejería y personal del IVAM difieren en las argumentaciones sobre las razones de no renovar este contrato.

Todo comenzó el pasado 21 de mayo cuando el consejero Vicent Marzà comunicó a Cortés que no se renovaría el contrato de dirección, que finaliza en septiembre y que contempla una prórroga de dos años. Los servicios jurídicos justificaron la imposibilidad de llevar a cabo esta renovación en base a la nueva Ley del IVAM, aprobada en 2018, que contempla que el director debe elegirse por concurso y que dicha plaza queda ahora dividida en director y gerente (que hasta ahora aglutinaba una misma figura). Por este motivo se estaría abriendo el proceso para en septiembre poder elegir nuevo director o directora. Desde la consejería también se explicaba la necesidad de impulsar un “nuevo rumbo” para un museo cuyo presupuesto casi se ha doblado en pocos años.

José Miguel García Cortés ha criticado duramente la decisión de la consejería, pues interpreta que se ha obviado el Código de Buenas Prácticas al haber sido anunciado antes de que pasara por el Consejo Rector del IVAM, que se reunirá esta semana. Afirma que la consejería no ha sido capaz de “valorar exclusivamente las razones profesionales” y que se ha dejado llevar “por cuestiones políticas o personales”. El actual director del IVAM lleva seis años en el cargo, fue nombrado por la última administración del PP en la Generalitat Valenciana. Su gestión ha sido muy bien valorada al frente del museo en estos años, también por parte de la consejería.

La situación de crisis que se lleva arrastrando desde hace días se ha agravado hoy por la decisión de los miembros del consejo asesor -los expertos en arte Lola Jiménez Blanco, Marta Gili, Pedro Azara, David Pérez y Álvaro Pons- de presentar su dimisión mediante una carta que han hecho llegar a la consejería. Una decisión que agrava la situación de un museo que, a juicio de su director, “la consejería quiere desmantelar”. No es esta la versión de la propia consejería, que defiende que el actual director “puede volver a presentarse al concurso”; opción que José Miguel Cortés ha descartado completamente.

En la carta remitida hoy a la consejería por el consejo asesor se afirma que “las decisiones políticas unilaterales, conocidas por la prensa, que plantean el cese y la sustitución del actual equipo directivo, constituyen no solo un incumplimiento del Código de Buenas Prácticas en la cultura valenciana, de obligado cumplimiento para la administración, sino subsidiariamente también del Código de Buenas Prácticas de ámbito estatal y del Código deontológico del ICOM para los museos”. Añaden que “dichas decisiones suponen, fundamentalmente, una vulneración de la independencia de la institución, que debe decidir su futuro y funcionamiento desde el Consejo Rector”.

El aún director del museo también ha hecho pública una carta en la que señala que “estoy convencido de que el IVAM se hubiera ahorrado todo este doloroso proceso si se hubiese evitado caer en actitudes impositivas y se hubiese contado con todos los sectores, ya que el proyecto del IVAM no es un proyecto particular”.

El consejero, pese a que ésta no es su función, pretende, amparándose en un decreto ley al parecer inexistente, o que ha nadie ha visto -porque no lo ha mostrado nunca, pese a diversos requerimientos-, echar al director del IVAM -porque no lo consideraría afín a su régimen.

Es curioso que un miembro del jurado, ya constituido, el director del Centro Reina Sofía de Madrid, pudo renovar su cargo tras un primer periodo pese a que su situación legal era la misma que se aduce en este caso: la existencia de un decreto ley invisible, tan invisible que no pudo aplicarse al director del Museo de Madrid -pero que velaría por la aplicación de dicho decreto que no se aplicó en su caso.

El director del IVAM tiene suerte: la Inquisición solía condenar a la hoguera.

https://apuntmedia.es/va/noticies/cultura/la-dimissio-en-bloc-del-consell-assessor-de-l-ivam-per-l-eixida-de-l-actual-director-agreuja-la-crisi

JÖRG WIDMANN (1973): BABYLON SUITE (2014)

Este compositor alemán creó la ópera Babylon, estrenada en el Teatro Nacional de Munich en 2012, con un libreto de Peter Sloterdijk.
La presente Suite deriva de esta ópera.

Mesopotamia no cesa de inspirar a artistas contemporáneos.

El virus del arte

Iba a escribir: ¡no hay derecho!. ¿Pero en qué piensa en Ayuntamiento?

Mientras Madrid tiene el honor de acoger maravillas como un Monumento a las víctimas del Cobid-19, y hasta Zaragoza, una escultura dedicada a Lola Flores, pensaba que Barcelona aún no disponía de una obra de este gran escultor, arquitecto, por añadidura, lo que se nota en la fluidez de las formas. Su arte brota y discurre como el agua. Arte orgánico. Y sus estatuas se alzan como sueños, como una nube que flota por un momento antes de disolverse.

Pero el buen gusto también impera en la Ciudad Condal. No podíamos ser menos. Por eso también ya disfrutamos del monumento a Cambó, una obra cumbre en la Vía Layetana.
Cierto, no alcanza la perfección del Monumento de Madrid. No se puede tener todo.

A menos que los poderes públicos se apiaden de nosotros, huérfanos de obras maestras, y encarguen a este artista genial, quizá junto a Plensa, otro monumento...

NAOMI SAFRAN-HON (1984): A ROOM WITH NO EXIT (UNA HABITACIÓN SIN SALIDA, 2020)

Naomi Safran-Hon nació en la ciudad israelí de Haifa, que abandonó tras la política de Israel con respecto a Palestina, y se exilió a los Estados Unidos.
Haifa era una ciudad israelí principalmente árabe (judía, cristiana y musulmana) que, tras revueltas en 1948 en contra de la creciente ocupación por parte de judíos europeos y norteamericanos, vió como uno de sus barrios, donde nació la artista, fue destruido y abandonado. Los árabes que permanecieron no estuvieron autorizados a restaurar sus casas, y hoy, malviven aún unas pocas familias.

El hogar, para la artista, es un hogar vaciado, roto, destruido u ocupado, del que prefiere no acordarse. Un espacio violentado, en el que es imposible morar.

Sus cuadros son fotografías de dichos interiores, también parcialmente destruidas por capas de cementos que añade. El cemento o el hormigón, un material de construcción que, en este caso, es signo de ruina: arruina las fotos y es lo único que permanece, como material de derribo. El techo cae sobre el suelo: ambos se unen, después que el techo, en su caída, aplaste a todo lo que encuentra, todo lo que se puso a cubierto.

Hoy, la artista expone en Brooklyn (Nueva York) 

MAJA BAJEVIC (1967): GREEN, GREEN GRASS OF HOME (EL PRADO VERDE DEL HOGAR, 2002)

Green, Green Grass of Home from Emanuel Licha on Vimeo.

Visión legal de la obra "clicando" sobre la franja azul.

El director del Centro Reina Sofía de Madrid describía ayer esta obra, en un periódico, como una de las más destacables del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA).

Comentaba que la artista  Maja Bajevic , de la ex-Yugoslavia, describía en este vídeo, mientras caminaba sobre una pradera verde, su casa en Sarajevo desaparecida, como si la estuviera mostrando a un invitado.

La realidad es aún más sórdida. La casa no ha sido destruida. Sigue en pie, ocupada por una familia del bando contrario, cuando la división étnica de la ciudad. Tras años en el juzgado, la artista no ha podido recuperar su casa, que solo ve desde el exterior, sin saber qué ha ocurrido en el interior. Su casa fue violada, de algún modo. Todas sus pertenencias, las de sus padres, siguen, quizá, dentro, en manos de quienes no pueden darle valor alguno. Una parte de su vida está encerrada.

El vídeo evoca lo que existe pero es inalcanzable, mientras muestra una tierra fértil y esplendorosa, como un campo de batalla que se hubiera recuperado, sepultando una vida -de la que solo quedan recuerdos.

MEL BROOKS (1926): THE CRITIC (EL CRÍTICO DE ARTE, 1963)

 Célebre corto de animación de Mel Brooks, que refleja una experiencia personal del director cuando asistió al estreno de una película "abstracta" del cineasta Norman McLaren (conocido por sus experimentos cinematográficos con formas y luces -varias animaciones suyas se han mostrado en este blog), puntuado por los comentarios en voz alta de un anciano que refunfuñaba: no entendía el argumento de lo que se proyectaba.

ZARINA HASHMI (1937-2020): REFUGEE CAMPS, TEMPORARY HOMES (2017)

Campamentos de refugiados, Casas Temporales, 2017


A los diez años, tuvo que huir de su casa de Aligarh cuando la guerra entre la India y Pakistán, y vivió en un campo de refugiados. Desde entonces, no tuvo un hogar fijo, entre Beirut, París, Londres y Nueva York. Pero cada casa, por temporal y frágil que fuera, fue su casa.
Toda la obra de la artista hindú Zarina Hashmi está basada en esta primera experiencia infantil de la huida y el refugio.
Todas las tiendas son iguales. Todas pueden ser un hogar personal -pues no se diferencian-, y ninguna lo es. Una raja vertical da acceso al interior. Tiendas, casas de tela sobre una urdimbre de varillas, cuyos cortes pueden ser remendados -como las heridas cicatrizan, dejando una marca indeleble.
Casi toda la obra de Zarina Hashmi utiliza un soporte aparentemente frágil -se puede rasgar sin dificultad- y sin embargo más duradero que la madera carcomida: el papel. Obras de pequeñas dimensiones que desmenuzan lo que puede constituir una casa: una planta, una fachada, una descripción en una carta, una misma carta o un mapa que llevan a una casa o guardan lo poco que queda de ella: unos recuerdos transcritos en un papel de carta.
Sus obras fueron sus casas. En ellas se refugiaba. La absorbían. A través de su hacer, unía el pasado -técnicas y modos de representación propios de las miniaturas- y el presente -el esquematismo, el trazo reducido a una simple línea, del arte moderno o contemporáneo.
Zarina Hashmi acaba de partir hacia su última casa.

Mi casa negra (en la oscuridad) en Aligarh, 2017



Entrada pasada de este blog dedicada a Zarina Hashmi:

https://tochoocho.blogspot.com/2011/05/la-tela-de-arana-y-la-concha-louise.html

Una visita virtual al Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), parte 1

Diseño de las dos primeras escenas: David Mesa
Carátula, montaje y edición: Lucas Dutra
Agradecimientos por toda la labor creativa realizada


Primera de las dos últimas sesiones de clases prácticas de la asignatura de Teoría II de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB), dedicadas a una visita "virtual" comentada de algunas obras de la colección permanente del Museu d´Art Contemporani de Barcelona (MACBA), actualmente expuestas.

Estas dos últimas visitas -la segunda: 8 de mayo- completas las realizadas al Museu de les Cultures del Mòn y al Museu Nacional d´Art de Catalunya, ambos de Barcelona.

MARCEL DUCHAMP (1887-1968): READYMADE MALHEUREUX (READYMADE DESGRACIADO, 1919)

Marcel Duchamp: Readymade Malheureux, 1919, Col. Suzanne Duchamp


Tenemos el congelador lleno de pasteles que no hemos podido entregar, jarrones, en un círculo de pétalos caídos, cargados de rosas que no podemos regalar, la mesa cubierta de libros envueltos en papel de regalo, que se cubre de polvo, que no llegan a su destino.

Marcel Duchamp se enfrentó a una situación parecida. La Primera Guerra Mundial le sorprendió en Buenos Aires, cuando su hermana Suzanne le anunció su boda en París. Las líneas transatlánticas, de pasajeros y de mercancías, se habían interrumpido -y faltaban años para los primeros vuelos transoceánicos. No cabía posibilidad alguna de que Marcel Duchampo le remitiera su regalo de boda.

Entonces le dictó un breve texto: tenía que encontrar o comprar un libro de geometría, colgarlo con pinzas de ropa por el loma a una cuerda de tender, bajo su ventana, y dejar que el viento y la lluvia lo agitaran. Sería el azar el que decidiría, tras zarandear el libro y remover las hojas, por qué página se abriría. Las estrictas normas geométricas que encuadran el mundo en formas perfectas y lo miden, se mezclarían con dos de los elementos constituyentes del mundo: el agua y la lluvia, bajo el cielo gris.
Una foto tan solo recuerda esta obra efímera en la que lo ideal y lo terrenal, el azar y la norma se entremezclaban. 

THE BEATLES: CARNIVAL OF LIGHT (CARNAVAL DE LUCES, 1967)

Esta obra no es placentera -ni posiblemente sea soportable hasta el final- como las dos anteriores presentadas de este blog.
Pero tiene relación con la ciudad de Barcelona, lo que quizá no haya sido muy comentado.

Obra inédita -que quizá el autor, Paul McCartney edite un día, si el resto de los músicos y los herederos lo autorizan-, nunca incluida ni siquiera en discos pirata, es un encargo para un fiesta psicodélica en el teatro Roundhouse de Londres. Fue compuesta por Paul McCartney, con la participación del resto de los miembros del grupo.
Refleja, según su autor, la influencia de los compositores Varese, Cage y de Stockhausen.
Se compone de cuatro pistas superpuestas que incluyen ruidos, cánticos, música grabada para la ocasión, fragmentos de otras obras, recitados, gritos...
La palabra Barcelona, a voz de grito, se pronunció varias veces.
La gritó John Lennon. No se sabe porqué.

John Lennon estuvo un largo fin de semana en Barcelona, en 1963, visitando entre otras obras el Parque Güell, de Gaudí, con el mánager de los Beatles, Brian Epstein, con quien le unía una profunda amistad.

Se ha supuesto que el recuerdo de esta aventura se refleja en este Carnaval de la luz, que une los nombres de Barcelona y los Beatles de manera inesperada -y sorprendente.

DOMINIQUE DALCAN (SNOOZE, 1964): MUSIC FOR CONTAINMENT (MÚSICA PARA EL CONFINAMIENTO): RUN AROUND THE BLOCK (CORRE ALREDEDOR DEL BLOQUE DE PISOS, 2020)

El álbum Music for Containment, recién editado, contiene obras compuestas ex-profesamente sobre la impuesta reclusión actual.

Sobre el compositor franco-libanés de música electrónica, véase por ejemplo este enlace.

BRUCE BAILLIE (1931-2020): CASTRO STREET (1966)

Sobre este cineasta norteamericano experimental, sobre todo en los años sesenta del siglo pasado, fundador de la filmoteca de San Francisco, recientemente fallecido, véase, por ejemplo, este enlace.

La calle Castro es una arteria industrial en Richmond (California).